mariupol.tv Новости на mariupol.tv раздел: Мариуполь тема: Театр https://mariupol.tv/ Sun, 18 Apr 2021 02:52:16 GMT ru Copyright mariupol.tv mariupol.tv https://mariupol.tv/images/site/logo.png https://mariupol.tv/ Нож в цель, брутальность мужчины, непредсказуемость женщины: Испанские страсти в Мариуполе кипели под крики восторга очевидцев (ФОТОФАКТ) https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/37232/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/37232/
]]>
В Мариуполе сценические эффекты, включая метание ножа, были также остры, как игра актёров мариупольского театра, которые показали высокий класс передачи психологических аспектов в нашумевшей пьесе «Дикарь» знаменитого испанского драматурга Alejandro Casona. В первый выходной апреля премьерный спектакль в постановке режиссёра Сергея Мусиенко мариупольские зрители оценили по достоинству, не сдерживая получаемых от игры  мастеров сцены эмоций, сопровождая действие аплодисментами.  Ценители театрального искусства отметили работу не только режиссера и мощного состава труппы, включая таким мэтров, как народная артистка Украины Светлана Отченашенко, заслуженный артист Украины Анатолий Шевченко, но и искусство сценографии Светланы Канн, постановки балетмейстера Анатолия Птушкина, а также всего персонала, создавшего неповторимую атмосферу спектакля. Тонкая история встречи двух противоположностей – грубоватого дикаря Пабло в исполнении Дмитрия Нестеренко и утончённой интеллигентки Марго в интерпретации Марии Мусиенко, совпавших в искренности высоких человеческих качеств, держала зрителей, как эмоциональный магнит до самого финала. А за ним последовал взрыв оваций. Мариупольцы с криками «Браво!», стоя аплодировали участникам спектакля. И только пандемийные ограничения не позволили зрителям вручать актёрам цветы прямо на сцене. Теперь эта старинная театральная традиция осуществляется при посредничестве служащих театра.    Вот, что рассказал о своём творении  Сергей Мусиенко: «Темой пьесы являются три кита  - жизнь, смерть, и любовь. Это важные аспекты, отражённые в спектакле. Что такое жизнь? Она может выражаться по разному. Просто существование или жизнь с полной отдачей, во всё сердце. А смерть тоже не простое явление. Как объяснить, что такое смерть? Ведь и живущий человек может внутри быть мёртвым. Ну и любовь, это чувство, которое может вдохновлять, дать силы жить. Также, как и стать причиной смерти, из-за недоверия, ошибки». По словам режиссера, его задача состояла в том, чтобы подчеркнуть хрупкость, ценность и важность искренних человеческих отношений. И для акцентирования этой темы в мариупольской версии была добавлена нота трагизма в комедийную канву Alejandro Casona, у которого все завершается счастливым хеппи-эндом. «Мы сделали из комедии трагикомедию с другим финалом, показав, что недоверие и непонимание может стать причиной смерти», - уточнил Сергей Мусиенко.   Театр Sun, 04 Apr 2021 19:33:41 +0300
Фігурки на фоні пейзажу років. Вистава Delete в театрі TerraIncognita https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/36925/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/36925/ 27 лютого на сцені театру «TerraIncognita» пройшла прем’єра вистави «Delete» за мотивами п’єси Гарольда Пінтера «Пейзаж» у постановці Анатолія Левченка. 
]]>
27 лютого на сцені театру «TerraIncognita» пройшла прем’єра вистави «Delete» за мотивами п’єси Гарольда Пінтера «Пейзаж» у постановці Анатолія Левченка. Спектакль має екзотичне жанрове визначення - «MemoryPlay» - п’єса пам’яті. Тут навіть буде доречнішим буквальний переклад – гра пам’яті. Бо вистава справді нагадує пазл або шараду.  «Delete» складається зі спогадів двох дійових осіб, а особливості людської пам’яті певним чином визначають форму вистави – replayз паузами та провалами. За Пінтером головні герої - пара похилого віку Дафф та Бет. У інтерпретації театру «TerraIncognita» це зовсім молоді люди. Ролі виконують Михайло Загреба та Катерина Просолупова. Ця зміна зміщує точку сприйняття всієї історії в оптимістичний бік. Бо згідно з авторським задумом це повинен бути фінальний акт життєвоїдрами. Вечір, сонце сідає, за столом сидять двоє, в них є тільки минуле і, здається, ніякого майбутнього. П’єса  така собі сюжетна матрьошка, бо в реальному часі це навіть не діалог. Уся дія (якщо можна так казати) приховується серед спогадів. Які ще треба інтерпретувати - перетворити суб’єктне сприйняття  в послідовність подій.  І здається автор ніяк не хоче в цьому допомагати, й навіть навпаки. Він та Вона знаходяться в різних всесвітах і звертаються звідти до… До кого? Він згадує прогулянку по парку біля ставка, зливу та розмову в пабі з незнайомцем про пиво. Вона знаходиться на пляжі біля моря  зі своїм коханим. Пінтер навмисно підсовує зачіпки, щоб ми вдовольнили свій педантизм та зв’язали дві історії в одну, але вони знову йдуть кожна своїм шляхом. Знову герої звертаються ні до кого, їх історії перетасовані немов колода карт що дістаються випадковим чином. Його хід. Її хід.  З нібито буденної балаканини можна зрозуміти що Він був водієм, Вона – служницею в домі заможного чоловіка. Вона полюбляє малювати, Він переймається за собаку. Вона хотіла дитину, Він зрадив їй з іншою. Вона його не кохала. Проте чому пара мешкає в маєтку свого колишнього роботодавця? Чи обидва не чують один одного, чи тільки хтось один? Що це взагалі? Сповідь? Покаяння? На це відповідей немає, є тільки припущення. З поміж суперечностей та недомовок можна виловити думку що Він все ж таки усвідомлює реальність, алечомусь залучений до сюрреалістичного дійства. Драма подається повсякденно-стримано та меланхолічно. Вогонь пристрастей вже відгорів колись давно, а зараз ми бачимо самий попіл оповитий смутком років та журбою скоєних вчинків. Сценічна обкладинка цієї інтимної історії стримана та мінімалістична, а візуальнерішення зводиться до колірного контрасту між Ним і Нею. Цей аскетизм допомагає ігнорувати зовнішні прояви та потрапити в уявний простір спогадів, де власне, все і відбувається. Шлях до розумінняплутає серед фраз, тож глядачам лишається пильно слідкувати за перебігом цього псевдодіалогу.  Драма  пам’яті звертається до проблем інтерпретації спогадів, відмінностей сприйняття та усвідомлення себе в часі та просторі. Спритний художній прийом наділяє людську уяву функцією конструювати реальність.  «Delete» у виконанні «TerraIncognita» попри зміщення точки сприйняття лишає таке ж саме широченне поле для інтерпретацій яке викроїв Гарольд Пінтер. На ньому легко знайдеться місце і для вашого варіанту дійсності.  Іван Станіславський   Театр Sat, 06 Mar 2021 14:34:29 +0200
Псевдолеcбійки, квартирне питання та великі гроші. «Дорослі ігри завзятих дівчат» на сцені «Terra Incognita» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/36852/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/36852/
]]>
21 лютого на сцені маріупольського театру «Terra Incognita» відбулась прем’єра вистави «Дорослі ігри завзятих дівчат» за п’єсою Наталії Уварової «Шахрайки». Постановку здійснив Анатолій Левченко, залучив молодих виконавців Театральної школи-студії та Театру ляльок. В репертуарі «Terra Incognita» «Дорослі ігри» - біла ворона. Це єдиний представник жанру дуже легкої комедії, у театрі який більш тяжіє до серйозного матеріалу. Наприклад 28 лютого відбудеться прем’єра «Пейзажу» за Пінтером. В «Дорослі ігри» грають дві молоді дівчини. Вони разом орендують кімнату, мають борг перед хазяйкою квартири та купу нереалізованих мрій. Щоб розв’язати свої фінансові проблеми дівчата вдаються до невеличкої авантюри. Все що потрібно – це видати себе за лесбійську пару і грошики багатої іноземки в них у кишені. Проте афера швидко виходить з під контролю. Недосвідченим шахрайкам доводиться раз за разом виплутуватися з нових форс-мажорних ситуацій, хитрощами уникати викриття, щоб знову потрапити в пастку. Врешті решт історія очікувано завершується тотальним хепі-ендом. Всі щасливі, багаті й перемога  гетеросексуальних відносин. Ну жодної тобі інтриги.  За жанром вистава ідентифікується як сучасний фарс, але крім введення у дію псевдолесбійок нічого нового знайти в ній не вдається. «Дорослі ігри» - це канонічний театральний сітком, в якому можна побачити спорідненість з цілою шеренгою вистав Куні, Камолетті та інших представників цього жанру. Це стосується сюжету, композиції п’єси, фактури персонажів і навіть реквізиту. Любовні багатокутники, жінка в бігудях, чоловік без штанів та пістолет – рідкісний сітком обходиться без цього набору.  Відсутність претензій на оригінальність, мабуть, єдиний великий привід дорікнути «Дорослим іграм завзятих дівчат».  Дует молодих актрис під час зав’язки трохи втрачає генеральний ритм, але згодом враження вирівнюється з підключенням інших дієвих осіб. Особливо «підтягує» ансамбль Ірина Руденко. Загалом це динамічна, яскрава та весела вистава, яка хоч і не здатна заінтригувати, але і набриднути також не встигає. Гіперболізована емоційність персонажів стала наче жанровим кліше, яке непогано вдається відтворювати навіть недосвідченим артистам. Несподівано «Terra Incognita» ступає на «землю» суто розважальних вистав, яка по замовчуванню начеб то належить  Драматичному театрові, і судячи з реакції зали має на цій території певні перспективи.  Іван Станіславський     Театр Sat, 27 Feb 2021 12:15:40 +0200
Гумор від доктора Чехова в умовах пандемії. Прем'єра «Палати №6» в маріупольському театрі «Terra Incognita» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/35692/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/35692/
]]>
В жовтні та листопаді маріупольський театр «Terra Incognita» дав прем'єрні покази вистави за п'єсою А. Чехова «Палата №6» у постановці Анатолія Левченка.  За духом та за формою «Terra Incognita» пропонує канонічне прочитання відомого твору Антона Павловича. Постановка Левченка дає нам Чеховську прозу майже в оригіналі - без спроб осучаснити матеріал, внести нові акценти чи запропонувати альтернативну концепцію. Єдина адаптація, яка не могла не спричинити суттєві зміни - це переформатування у камерну версію. В якості сценічного простору та глядацької зали «Terra Incognita» використовує невелику кімнату в палаці культури. Фізичні обмеження вимусили позбутися майже всіх другорядних героїв та звести місце дії до лікарняної палати. Проте, вистава від цього не постраждала. А може і навпаки. Драматургічний конфлікт не тільки не зруйнувався, але став більш зрозумілим та сфокусованим. Що, звісно, в межах глядацького театру можна вважати не компромісом, а перевагою. Меседж повісті «Палата №6» доручено сформулювати трьом дійовим особам. Андрій Рагін (виконує Анатолій Шевченко) - головний лікар, філософ та скептик. Іван Громов (виконує Михайло Загреба) - пацієнт, параноїк та божевільний. Й Михайло Авер'янович (виконують Валерій Сарбей, Анатолій Левченко) - поштмейстер, друг та співбесідник Рагіна. При чому останній - фігура досить прохідна, а головне навантаження лягає на персонажів Рагіна та Громова. Компанію досвідченому Шевченко в акторському ансамблі склав молодий артист-аматор Загреба. І треба зазначити що воправся зі своїм завданням він дуже непогано. Попри колосальну різницю в калібрі акторів, дует вийшов збалансованим.   Раціональний Рагін намагається вплинути на імпульсивного Громова. Їх взаємодія нагадує двобій, де замість поля бою увесь космос метафізики, а замість зброї - світоглядні філософські теорії. Диспут доктора та пацієнта поступово розвивається зі стартової відмітки клінічної психології, де вони намагаються дати визначення божевіллю, і доходить до високих роздумів про сенс життя та смерті. На маршруті між цими двома точками, лікарняні філософи встигають зачепити увесь спектр питань, що властивий напрямку російської літературної думки того періоду.  В калейдоскопі філософських дилем особистості героїв викристалізовуються потроху. Спочатку здається що вони дуже близькі у своїх поглядах, проте розбіжності ростуть як сніжний ком. Громов все більше нагадує пророка. Його «вчення» базується на особистій трагедії, живому досвіді та природному розумінню життя. Доктор Рагін може протиставити йому лише науку та праці великих умів минулого. Його теорія виявляється повністю неспроможною. Доводячи свої власні слова: «в тому що я лікар, а ви пацієнт, немає ніякої логіки, а сама випадковість» - доктор опиняється на лікарняному ліжку поряд зі своїм нещодавнім пацієнтом, а згодом вмирає (Чехов не любив хеппі-ендів). Цю не дуже веселу історію супроводжують хоральні прелюдії Баха, які вносять у виставу нотки середньовічної меланхолії. Візуальну частину урізноманітнили за допомогою проєктора - абстрактні фігури на задній стіні перетворили кілька сцен у невеликі фантасмагорії. Але попри це «Палата №6» залишається виставою дуже текстуальною, яку треба майже читати зі сцени буква до букви. На фоні пандемії та кризи в галузі охорони здоров'я окремі фрази з чеховської повісті отримали несподівано актуальне звучання. Опис повітової лікарні з тарганами в палатах та картоплею у ваннах і як резюме висновок що це аморальна та небезпечна для здоров'я установа здається аж занадто сучасним. А відзвуки чорного гумору у міркуваннях «Навіщо заважати людям помирати? Який толк якщо хтось проживе на 10 років довше?» болюче перекликаються з цинізмом сьогодення. Отак завжди у цій класиці, ніколи не взнаєш яка фраза вистрелить і через скільки сотень років. «Палата №6» від «Terra Incognita» може похизуватися злободенністю без намагань витягнути матеріал із глибин 19 століття (хоча треба додати що і нереалізований потенціал до осучаснення вона має дуже великий). Попри складність питань і текстоцентричність вистава має дуже просту форму, зрозумілу подачу тож ні для кого не повинна стати надскладним іспитом. Головним відкриттям спектаклю можна вважати молодого актора Михайла Загребу, який склав гідний дует разом з Заслуженим артистом України Анатолієм Шевченком. На жаль майбутнє вистави «Палата №6» дуже непевне. Вслід за Валерієм Сарбеєм (його вимушено підміняє Левченко) акторський склад може покинути й Шевченко. Штатним акторам академічного театру не дозволено грати в сторонніх проєктах, а рівноцінна заміна Шевченку навряд чи знайдеться. Іван Станіславський Театр Mon, 23 Nov 2020 19:04:28 +0200
Реставрация: Мариупольский театр станет дороже, более чем на 11 миллионов гривен https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/35044/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/35044/
]]>
В Мариуполе активно идёт обновление крыши Донецкого академического областного драматического театра в рамках ремонтно-реставрационных работ, на которые из областного бюджета выделено 11 миллионов 847 тысяч гривен.   Сотрудники театра сообщают, что состояние кровли, которую не ремонтировали уже около 20 лет, было критическим и последствия этого видны после каждого выпадения осадков. После демонтажа изношенных элементов кровли, её покроют современными материалами, которые не боятся воды и огня. Также ремонтом предусмотрена термоизояция крыши театра.     Завершить ремонтно-реставрационные работы планируется в четвертом квартале текущего года. На время проведения ремонта закрытие театра не планируется. Театр Sat, 03 Oct 2020 15:25:46 +0300
Мариупольский драмтеатр завершает сезон и делится его итогами https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/34474/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/34474/
]]>
Сегодня в Мариупольском Драматическом театре директор Владимир Кожевников вместе с режиссерами-постановщиками Анжеликой Добруновоц и Евдокией Тихоновой подвели итоги 142-го театрального сезона. Директор отметил, что в этом году театр был ярким и насыщенным, но закрылся тихо и по-семейному в связи с ситуацией в стране. В течение сезона театр покпзал семь премьерных спектаклей. В сентябре 2019 г. театр впервые провел собственный театральный фестиваль - областной открытый фестиваль «ТЕАТРАЛЬНА БРАМА», который собрал в Мариуполе шесть профессиональных коллективов с разных регионов страны. По решению жюри фестиваля дипломом "РЕЖИСЕРСЬКИЙ ДЕБЮТ" отмечена постановщик спектакля "СОЙЧИНО КРИЛО" Евдокия Тихонова, мастер сцены Сергей Мусиенко победил в номинации "Чоловіча роль другого плану" (Мусий, «ШИНКАРКА" С. Новицкой). Также в сентябре со спектаклем "ГОЛОМОЗА СПІВАЧКА" Э. Ионеско (режиссер-постановщик А. Левченко) коллектив принял участие во Втором Всеукраинском фестивале театрального искусства «СВІТОГЛЯД» в Североденецьку. По итогам ХIV регионального фестиваля комедии "ЗОЛОТІ ОПЛЕСКИ БУКОВИНИ", что приходил в октябре в Черновцах, участники спектакля "Боїнг-Боїнг" Марка Камолетти получили диплом "За найкращий акторський ансамбль". В течение всего сезона театр активно выезжал с детскими и взрослыми постановками по всей Донецкой области, включая так называемую "серую зону". В частности, в декабре 2019 праздничное представление "ИДЕ СВЯТИЙ МИКОЛАЙ" Евдокии Тихоновой смогли бесплатно посетить маленькие жители Марьинки, Торецкая, Бахмута и Лимана. С сегодняшнего дня началась  вторая часть культурно - художественной акции с показа спектакля "ЩЛЯХ ДОДОМУ" И. Тура (реж. Андрей Луценко) по Донецкой Области, в рамках которой спекталь уже увидели в десяти населенных пунктах Донецкой области, а по 9 сентября увидят еще в 12-ти. Сейчас в театре продолжается робота над постановками: «КОХАННЯ У СТИЛІ БАРОКО» Ярослава Стельмаха, реж. Анжелика Добрунова; «ПОГРАБУВАННЯ ОПІВНОЧІ» Мирослава Митровича, реж. Андрей Луценко; «ДИКУН» Алехандро Касоны, реж. Сергей Мусиенко; «СТАНЦІЯ» Александра Ветра, реж. Евдокия Тихонова; «МЕСЬЄ АМІЛЬКАР» Ива Жамиака, реж. Лариса Колесник. Также директор прокомментировал резонансный вопрос относительно кадровых перемен в театре. Свою позицию он аргуметировал тем, что принимает решение в рамках своих полномочий, ссылаясь на соответствующие законы и решения суда. «Весь творчий артистичний персонал зараз попадає на роботу через конкурс, конкурсну комісію на підставі рішення конкурсної комісії, директори театрів заключають контракти на строк від 1-го до 3-х років. Автоматичне подовження контракту, справа суто директора театру», - говорит Владимир Кожевников. Театр Thu, 20 Aug 2020 20:29:46 +0300
Маріупольські режисери театру виступили проти свавілля керівництва https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/34454/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/34454/
]]>
18 серпня у Маріуполі відбувся брифінг театральних режисерів Анатолія Левченка й Арутюна Киракосяна. Адміністрація драматичного театру в Маріуполі відмовилась пролонговувати контракти з досвідченими фахівцями. Пізніше стало відомо що посади режисерів будуть скорочені що робить неможливим брати  участь в конкурсному відборі. Отже, колишній головний режисер Анатолій Левченко, на утриманні якого 18-річний син-аутист і два пенсіонери, та Арутюн Кіракосян вимушений переселенець з Макіївки – лишилися без роботи. Колишні режисери обвинувачують керівництво театру, зокрема директора – Володимира Кожевнікова, в упередженому ставленні, свавіллі та порушенні професійних та етичних норм. «В театрі чотири штатних режисерів. З двома контракти продовжили, а з нами ні. За законом якщо ви не отримуєте особисте повідомлення що з вами контракт не продовжується то він пролонгується автоматично. З усіх працівників театру такі листи отримали тільки я та Арутюн Кіракосян» - каже Анатолій Левченко. Два роки тому Анатолій Левченко був зміщений з посади головного режисера за такою ж самою схемою. Незважаючи на підтримку діячів культури та громадськості подолати опір системи й домогтися хоч яких результатів не вдалося. Весь цей час колишній головний режисер знаходився в конфронтації з адміністрацією та жорстко критикував театр по багатьох питаннях. Тому його звільнення виглядає як банальна розправа. А ось усунення Арутюна Кіракосяна виглядає безпідставним. «Причину не можу зрозуміти – розповідає Арутюн Кіракосян. Я прямо запитував у Володимира Кожевнікова – Які до мене претензії? Він відповідає – До вас претензій немає. Може ви забули що я пенсіонер, біженець, живу в чужому місті? Зараз я залишаюся без роботи.  Але він вважає що все нормально. Зараз в театрі поставили спектакль «Шлях додому». Це історія про українців, що опинилися на ворожій території в дуже скрутних умовах. Я таке пережив сам. Тоді я кажу — «У вас у театрі є герой схожої історії, переселенець із Макіївки, і ви виставляєте його на вулицю!». Ось так в театрі реальні справи розходяться зі словами. Усе це несправедливо та аморально». Арутюн Кіракосян та Анатолій Левченко вирішили об’єднати зусилля та продовжувати шукати справедливості. Тим часом в маріупольському театрі залишаються всього два кваліфікованих постановників, а вистави все частіше ставлять звичайні актори. Заклад культури що має статус академічного все більше заслуговує зватися самодіяльним. Театр Wed, 19 Aug 2020 14:17:51 +0300
Виставі «Слава героям» чотири роки. Проблеми сприйняття та уроки історії https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/33297/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/33297/
]]>
Чотири роки тому в маріупольському драматичному відбулась, мабуть найрезонансніша та контроверсійна прем’єра за всю історію нашого театру. 22 травня 2016 року режисер Анатолій Левченко представив спектакль «Слава Героям» за п’єсою українського драматурга Павла Ар’є. Визначною цю виставу зробили дві обставини. «Слава героям» став першим україномовним ігровим спектаклем на сцені театру, який був офіційно «русским» цілу вічність. Другою складовою яка наробила ще більше галасу стала тематика. П’єса показує розкол українського суспільства на «своїх» та «чужих». Головні герої - два чоловіка - ветерани другої світової. Але Остап воював в лавах УПА, а Андрій – Червоної армії.  Про сприйняття спектаклю в місті де масово голосували за проголошення ДНР, про робочі моменти та інше, говорили з виконавцями головних ролей Анатолієм Шевченко (Остап) та Валерієм Сарбеєм (Андрій). ПЕРША РЕАКЦІЯ Шевченко. Коли я вперше дізнався що буде такий спектакль, то сприйняв це позитивно і з великим задоволенням взяв в ньому участь. Вважаю що люди повинні знати що герої це не тільки ті хто святкує перемогу 9 травня.  Є й інші, які так само проливали кров та страждали за свою Батьківщину. Сарбей. Одразу було зрозуміло що п’єса містить потужний конфлікт. Це дуже важливо як для театрального твору. Проте залежно від сценічної інтерпретації багато чого могло змінитися. Як режисер сприйме матеріал, як акторам вдасться розкрити героїв та їх взаємодії? Думав про ось це. АКТОРСЬКИЙ ІНТЕРЕС Шевченко. Хотілось покопатися в темі. Герої живуть минулим, в них лишилася одна пам’ять, та й та не завжди приємна. В цьому вони обидва схожі – скалічені люди. Хотілося дійти до джерел, до першопричин травми. Як на мене, то  Валерію Івановичу це вдалося, а от мені не дуже. Сарбей. Це був дуже незвичний матеріал і я намагався в ньому «поміститися». Як це вийшло… Це судити глядачу. Але в мене лишилось відчуття що чогось не вистачило, десь  недопрацювали.  ПРО ВАКУУМ ПРОПАГАНДИ ТА ПАЗЗЛИ ПОГЛЯДІВ Сарбей. В радянські часи все було досить однозначно – бандити, бандерівці – інакше їх не називали. Проте тоді я не відчував ніякої конфронтації. Можливо тому що не шукав нічого такого спеціально. Я навіть бував на західній Україні, але скоріше як турист. В часи незалежної України цензура зникла, з’явилися інші погляди та навіть людські відносини стали будуватися інакше. Ось тоді цей антагонізм проявився у всю міць. Шевченко. Я зовсім нещодавно дізнався що  капітуляція Німеччини була спочатку підписана в Нідерландах. Про це радянським людям не казали ані в школі, ані в університетах. Але я мав друзів на західній Україні і знав  те, про що не говорили вголос. Люди страждали кожен за свою ідею, хтось за Сталіна та за перемогу комунізму, а хтось за незалежну Україну. Для мене це було зрозуміло і не викликало внутрішнього дисонансу.  ЯЗЫК І МОВА Шевченко.  В Маріуполі «Слава героям» став першим в історії театру ігровим спектаклем українською мовою. Але для мене це не було чимось незвичним. Бо я 17 років пропрацював в Дніпропетровському українському театрі.  Для мене це було як рідна мати. Сарбей. До вистави «Слава героям» я грав на сцені українською лише один раз. В народному театрі ПК «Азовсталі» йшла п’єса «Республіка на колесах» Мамонтова. Це було в 60-х. Я взагалі дивуюся як її тоді дозволили, бо цей матеріал і зараз може наробити галасу. В школі пам’ятаю я вивчав українську мову і навіть отримав вищу оцінку ніж по російській. Але все ж таки російська моя рідна мова і це значить набагато більше. Було дещо складно, але п’єса це готовий текст, його лише треба вивчити. В ПРОЦЕСІ РОБОТИ Сарбей. Вистава робилася в скорочені терміни. Спочатку склад зібрався ніби стабільний. Але пізніше Лідія Єршова залишила трупу і довелося на роль Гані вводити Віру Шевцову. Вона не прожила процес від початку, тому, мабуть їй було дуже складно. Взагалі рідко трапляється що підходиш до прем’єри і розумієш – все повністю готово. Але навіть в останніх показах «Слава героям» відчувалось якесь напруження. Шевченко.  Працювали швидко, на підйомі, на емоціях. Було розуміння що ця робота більше ніж просто театральна вистава, що вона може вплинути на світогляд глядача і має ширші завдання. ПРЕМ’ЄРА. ВІДГУКИ. СКЛАДНОЩІ СПРИЙНЯТТЯ Шевченко.  Сама прем’єра пройшла досить добре. А от подальші покази – ні. На жаль у нас таке місто де більшість людей приїхали колись з Росії на шахти та заводи, багато військових пенсіонерів. Ці люди  не сприйняли спектакль. Сарбей. Все відбулося стрімко. Майже одразу після прем’єри в Маріуполі ми помчали до Києва. Звісно у нас відношення було досить полярне. Ті люди що дивилися п’єсу, мабуть, лишилися задоволені. А ті хто вперлися лише в тему… Сприйняття буле дуже складне і негативу вистачало. Можливо назва відіграла свою роль. Гасло УПА «Слава героям» спровокувало певну реакцію. Частина публіки заздалегідь відкинула виставу. Якби вона називалася більш нейтрально - «Лібертанго» - доля її б напевно була інша. Хоча треба зазначити що ті люди що могли адекватно сприйняти «Слава героям», вони теж не дуже ходили. Зараз маємо ситуацію що спектакль майже не йде. Через занизьку відвідуваність в тому числі. (прим. авт. Вистава «Слава Героям» загалом йшла в Маріуполі 12 разів. 5 показів в прем’єрному сезоні, 3- в сезоні 2017, і по два покази в сезонах 2018 і 2019 років. В поточному році планувався один показ. Не відбувся через карантин.) НА ПОЛЮСАХ СВІТОГЛЯДІВ Сарбей. В Києві зал був повний, глядачі дякували нам. Щодо столичної постановки в «Золотих воротах» чув таку думку що вона вирішена трохи інакше. Там грають молоді хлопці та є комедійна лінія. Він сприймається інакше. Наша ж версія орієнтовна на загострення конфлікту. Цікаво на думку Ар’є яке з прочитань ближче до його бачення. Шевченко.  Не тільки в Києві, а й в Кропивницькому «Слава героям» пройшов на ура. Велика різниця в аудиторії. Так вийшло що в наших краях радянська пропаганда в’їлася глибше. Не всі можуть сприймати виставу поза ідеологічних штампів минулого. ЗНАЧЕННЯ ТА ДОЛЯ Шевченко.  Вистава буде виділятися, тому що в неї вкладена дуже серйозна проблема. Це не комедія, яку подивився і тут же забув. В «Слава героям» перегортаються цілі пласти, історичні, емоційні, світоглядні. Ну і звісно резонанс який виник не дасть їй забутися. Сарбей.  Публіка виявилась не готова: одночасно  і українська мова і конфліктна тема. Занадто раптово. Тоді це викликало в людях внутрішній опір. І все це лишається до сих пір. Тема яка підіймається в «Слава героям», яке б не було до неї відношення, вона буде актуальною і надалі. Ми живемо в такий непростий, переломний час - військовий конфлікт, політичні та економічні кризи. «Слава героям» можливо і не стане знаковим спектаклем, але він безумовно запам’ятається надовго. В поточному сезоні ця вистава не показувалась і я не знаю що з нею буде далі. Але мені буде дуже шкода якщо «Слава героям» зникне з репертуару. Іван Станіславський, фото Лев Сандалов Театр Fri, 22 May 2020 20:12:16 +0300
В Маріуполі пройшов показ спектаклю Maidan Inferno https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/32203/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/32203/
]]>
20 лютого в драматичному театрі Маріуполя відбулась прем’єра спектаклю "Maidan Inferno" за п’єсою драматургині Неди Неждани в постановці Анатолія Левченка. Театральна вистава стала частиною заходів з вшанування пам’яті Героїв Небесної Сотні, що трагічно загинули шість років тому під час Революції Гідності. Перед показом на Театральній площі пройшов мітинг-реквієм за участю мешканців міста, духовенства УПЦ і гарнізону Національної поліції. Містерія "Maidan Inferno" написана ще у 2014 році у Франції, там же була вперше презентована на сцені. А от першим театром, що поставив цю п’єсу в Україні, став маріупольський драматичний.  Проте чи отримає спектакль повноцінне сценічне життя, або залишиться транспарантом до роковин – питання відкрите. Вистава відстежує життєву історію двох молодих людей Ореста (Артур Войцеховський) та Ангеліна (Дар’я Недавня) на тлі Революції Гідності. Пара виявляється роз’єднана буремними подіями на майдані Незалежності. Орест отримує поранення і в той час коли його душа десь витає, а тіло залишилось в лікарні, на вулицях Києва  розверзається справжнє пекло. Анна намагається знайти свого коханого посеред вогню геєни, де людські закони вже відкинуті і навіть світ звірів здається більш гуманним та милосердним. Романтичні нотки у цій інфернальній симфонії швидко опиняються десь далеко на задньому плані. А домінантами емоційного резонансу стають особисті трагедії героїв. Всі дійові особи спектаклю протагоністи, проте присутність могутнього абсолютного зла відчувається від першої до останньої секунди. Мовчазне і невідступне воно панує усім. Авторка п’єси не дає нам персоніфікованого представника темряви, якого можна побачити, наздогнати чи вбити мечем. Тому зло тут постає як абстрактна містична сила яка існує незалежно від людського світу. Глядачі та герої спектаклю мимоволі опиняються в стані непевного трохи моторошного очікування нового лиха. Для того щоб розкрити інфернальний світ більш різноманітно та повно п’єса пропонує три проекції, або можна сказати три кола пекла. В першому, внутрішньому колі - світ особистих переживань та підсвідомості. Персонажі залишаються на самоті й в цьому ізольованому просторі вимовляють чи то сповіді, чи то монологи до себе та один до одного. В другому перед нами світ земний, реальний. Тут Ангеліна шукає Ореста, музикант розтаскує каміння з пам’ятника Леніну, Зоя намагається врятувати брата,  гине Степанич. Конкретна дія і конкретний сюжет. Третє коло зображує світ зовнішній віртуальний. Це ніби відбиток подій та людських емоцій в соціальних мережах – щось колективне несвідоме. Зображення того як Майдан виглядав для тих хто не був його безпосереднім учасником. Завдяки цим різним ракурсам подачі п’єса стає більш насиченою та зрозумілою, але й зберігає драматургічну єдність. "Maidan Inferno" закінчується невтішно, навмисно зіштовхуючи глядача з реальністю. Але нагадування про те що ми живемо в стані війни, ну ніяк не зайве навіть шість років потому з написання п’єси. Внутрішній реваншизм досі одна з найбільших загроз існуванню Української Держави. А зважаючи на ревізіоністські тенденції в зображенні  Євромайдану та громадянського руху взагалі, що мають місце в країні останнім часом, п’єса Неди Неждани, можливо, більш актуальна ніж у 2014 році. Відкритий фінал нагадує нам – це ще не перемога! Іван Станіславський Театр Mon, 24 Feb 2020 17:14:00 +0200
«Сватання на Гончарівці» в стилі хіп-хоп. Прем’єра маріупольського театру «Terra Incognita» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/32016/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/32016/
]]>
Маріупольський незалежний театр «Terra Incognita» презентував глядачам свою четверту прем’єру. Третього лютого на сцені лялькового театру пройшла музична вистава за мотивами п'єси Г. Квітки-Основ’яненка «Сватання in Gon4arivці», режисер Анатолій Левченко. Одарка та Прокоп хочуть віддати свою доньку Улянку за багатого, але придуркуватого Стецька. Наречена категорично проти, бо кохає простого хлопця Олексія. І здається меркантильні почуття візьмуть гору над романтичними. Але з’являється  Осип Скорик і як «великий комбінатор» раптом обертає все на користь закоханих. Сюжетна лінія добре знана всіма як з оригінальної п’єси  Квітки-Основ’яненка так і з екранізації Ігоря Земгало, що також стала класикою. Але оце і все що споріднює маріупольську постановку з прототипом. Перше що суперечить очікуванням – це костюми. Замість обов’язкових в такому випадку вишиванок та шароварів, які одразу навіюють нафталінову нудьгу музею народного побуту, герої вдягнені в джинси та білі футболки з лого спектаклю. «Сватання» на маріупольщині впевнено полишило територію лубка та шароварщини, отримавши сучасне звучання. До речі про звучання. Вистава ідентифікована як хіп-хоп опера (в оригіналі малоросійська опера). І що дійсно чудово – в «Terra Incognita» спеціально створили аудіо треки й фрагментами адаптували текст. Разом з тим використовуються і відомі пісні, і прямі референси до твору Квітки-Основ’яненка. Проте саме «фірмове лібрето» привносить роботі цікавості та нетривіальності.   Всі ролі «Сватання in Gon4arivці» зіграли юні учасники Першої маріупольської театральної школи-студії. Це, мабуть, можна назвати тим рідкісним випадком, коли брак досвіду майже перетворився з недоліку на перевагу. Актори початківці, яким невідомі професійні кліше, зіграли на емоціях та куражі, вклавши у своїх персонажів багато індивідуальності. Що врешті решт зробило образи живими, насиченими, деталізованими. Самим точним влучанням та центром уваги всього спектаклю без варіантів є Стецько. Трохи незграбний, трохи нахабний, трохи безпорадний та в міру придуркуватий. Жодну з «червоних ліній» що відокремлюють гарний гумор від вульгарності не було перейдено. Просто в яблучко! Якби ще додати трохи харизми Одарці та «великому комбінатору» – ансамбль склався б ідеально. Отже, маріупольське «Сватання» - дуже смілива, навіть експериментальна робота, яка продемонструвала неабиякий потенціал місцевих молодих артистів, завдяки вдалому поєднанню класичного матеріалу в сучасній формі. І цей експеримент конче вимагає продовження та розвитку. Вдосконалення чи розширення адаптованої частини, пошук балансу з оригінальною п’єсою, лайв виконання вокальних партій та технічне забезпечення звукового супроводу –  може зробити цю гарну виставу ще кращою. Іван Станіславський Театр Wed, 05 Feb 2020 15:10:37 +0200
В Маріуполі почав роботу самодіяльний театр «ДрамКом» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/32003/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/32003/
]]>
Першого лютого в Маріуполі відбувся прем’єрний показ, який започаткував творче життя нового театрального колективу. Новостворена «Театральна артіль ДрамКом» представила глядачам виставу за п’єсою Олександра Володарського «Контрабас розбушувався». Комедія на два акти з оркестром у фіналі  – досить вагомий перший крок як для аматорського театру. Докладніше про прем’єру, та колектив взагалі, розповіла режисерка та керівник «ДрамКому» Наталія Гончарова. - Театр починає своє життя масштабною постановкою з оркестром. Чому саме Володарський та Контрабас? - Ця п’єса, можна сказати, знайшла мене сама. Я була в Києві зі своїм спектаклем на фестивалі, де одним членів журі був Олександр Володарський. Ми з ним спілкувалися і він сам запропонував мені кілька своїх п’єс. Я була м’яко кажучи здивована такою пропозицією – ми самодіяльний колектив, і тут метр пропонує нам свій матеріал. Ну як можна відмовитися? Я розглядала спочатку п’єсу «Олена не прийшла додому», але під неї в мене не було виконавців. Врешті ми зупинилися на останній його роботі – «Контрабас розбушувався». Вона мені дуже сподобалась – колізії на грані сльоз та сміху –  я майже закохалась. - На той час вже було розуміння що ця п’єса стане прем’єрою для нового театру? - Ні. Не було. Напевно вона, певним чином і продиктувала це подальше рішення. У фіналі п’єси  прописаний оркестр, і мені дуже хотілось щоб він там був. Тому ми звернулися за допомогою до філармонії і все вийшло. - Чому ви вирішили працювати окремо? Раніше ви співпрацювали з іншим самодіяльним колективом «Театроманія» як режисерка. - Так, і я сподіваюся що ця співпраця не припиниться. Річ у тому що вектор цього колективу - це експериментальний театр для нового покоління. Я 12 років працювала в Каменському  муздрамі і за цей час спробувала багато чого. І за цей час прийшла до висновку що моє – це традиційний  театр. - В «Театроманії» ви не могли втілювати подібні роботи? - Там інша спрямованість всього колективу. Коли я працювала над останньою своєю роботою - «Мій великий Кенгуру», вже складалось враження що ми немов трошечки не вписуємось. До того ж мені хочеться щоб мій колектив був більш дорослим - 30+ це наш вік. - Назва та логотип театру «ДрамКом» перекликається зі знаменитим театром «Ленком». Тут є якась спадкоємність? - Ні, в жодному разі. Ми довго думали над назвою, хотіли уникнути пафосності та обрали просте скорочення від слів «драма» та «комедія» - «ДрамКом». Оце і все. А то, що воно буде асоціюватися з театром «Ленком» ми навіть думки такої не мали. Ми самодіяльний колектив і порівнювати себе з таким видатним театром – це одразу себе поховати. - У вашій трупі багато людей які відомі в Маріуполі, але не як артисти. Це така фішка? - Я не ставила таких пріоритетів. Спочатку зі мною був Євген Сосновський та дві дівчинки мої студентки. А далі закрутилося само. Журналіст Микола Пожогін, Ольга Новікова – директор кінофестивалю «КіТи», депутата в нас грає співробітник МНС – вони всі прийшли самостійно. Я запрошувала в цей проект Андрія Бурябаша із «Театроманії». - В Маріуполі крім академічного театру ще є «Театроманія» та «Terra incognita». Пропозиція театрального продукту зростає. Як «ДрамКом» буде конкурувати в боротьбі за глядачів? - А мені здається що всі ці театри настільки різні, що конкурувати нам не прийдеться. «Театроманія» - орієнтується на сучасний театр. «Terra incognita» - театр професійний, це зовсім інше. Це плюс що є різноманіття.  - Які плани на майбутнє? Що готуєте своїм глядачам? - Я майже впевнена, що наступною нашою роботою буде «Гра» Ентоні Шеффера - п’єса на двох акторів, і «Створила диво» Вільяма Гібсона. Розповідь про Гелен Келлер – сліпоглуху американську письменницю, громадську діячку. Будемо працювати над ними одночасно. Іван Станіславський Театр Tue, 04 Feb 2020 12:59:08 +0200
«Вісім люблячих жінок». Прем’єри маріупольського театру https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31604/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31604/
]]>
В грудні драматичний театр в Маріуполі представив глядачам чергову прем’єру. Режисерка Єва Тихонова поставила на великій сцені виставу під назвою «Вісім люблячих жінок» за п’єсою французького драматурга Робера Тома, що з’явилась на світ у 1958 році. Цей текст має солідну постановчу історію як в Україні так і за кордоном, та навіть декілька екранізацій. Найвідоміша остання - стрічка Франсуа Озона  «8 femmes» з зірковим складом Катрін Денев, Ізабель Юппер, Еммануель Беар та Фанні Ардан в головних ролях. «Вісім люблячих жінок» - збільшує і так велику російськомовну «діаспору» в репертуарі нашого театру. Загалом у грудні дорослому глядачу на великій сцені  наш театр запропонував лише дві вистави українською мовою, а у січні (згідно з афішею) їх буде цілих три. Не дуже багато. Назва вже робить невеличкий спойлер, натякаючи що дійові особи вистави – вісім дам. Цікаво, що в минулому сезоні Єва Тихонова ставила спектакль «В очікуванні його» де головні персонажі – чотири жінки. Чи буде незабаром постановка з 16 героїнями? П’єса Робера Тома це адаптація популярної детективної форми для театру. Вбивство в замкненій кімнаті – класика жанру детективної прози, де можна пригадати і Агату Крісті, і Алана По, і Конан Дойля. Злочин здійснюється в такому місці, з якого неможливо ні втекти, ні потрапити зовні. Тобто - злочинець однозначно серед присутніх. Голову родини Марселя знайдено з ножем у спині. Дружина Марселя Габі зі своєю сестрою Огюстіною, їх мати, дві доньки, дві служниці та сестра вбитого – всі вони одночасно і підозрювані й детективи у цій справі. В процесі «слідства» виявляється, що у кожної є свій скелет у шафі та мотив позбавитися Марселя. Саме з’ясуванням хто з них вбивця і займаються в різдвяний вечір вісім героїнь спектаклю. Маріупольський театр не ризикнув вдатися до творчих пошуків та пропонує досить стандартне прочитання цієї п’єси – можна сказати, економ версію. Мінімальна сценографія, відсутність яскравих режисерських рішень та музичних номерів (мабуть, один із вагоміших втрачених козирів) – залишають глядачам тільки текст та фактуру персонажів. Чого виявляється замало в цьому конкретному випадку. Замість святкового водевілю або мюзиклу (який був би доречним в кінці грудня) спектакль стає схожим на кримінальну головоломку яку потрібно скласти попри жіночі пристрасті що вирують. І хоч прорахувати фінал практично неможливо, якоїсь динаміки, або внутрішньої напруги детективної історії у виставі не відчувається. Вона рутинно пливе за текстом п’єси й навіть може здатися затягнутою. При тому, що ролі деяких другорядних персонажів очевидно були скорочені. Свіжа прем’єра справляє враження пересічної назви з репертуару, яку потрібно було зробити за планом. Навряд чи вона може чимось здивувати, зачепити, або надовго запам’ятатися. Куди взагалі поділася та Тихонова, яка ставила неординарні та сміливі «Сиротливий захід», «Мокошеву колисанку» й «Надходить гроза»? Органічною аудиторією вистави «Вісім люблячих жінок» бачаться домогосподарки на пару з нудьгуючими чоловіками, що «відбувають номер». Іншого сенсу існування для цієї роботи важко собі уявити.  Щось на зразок мильної опери в прайм-тайм на телебаченні. А може маріупольський театр намагається відбити частину аудиторії у каналу «СТБ»?   Іван Станіславський Театр Tue, 24 Dec 2019 15:35:53 +0200
В маріупольському театрі Terra Іncognita пролунав «Голос тихої безодні» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31354/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31354/
]]>
Маріупольський приватний театр «Terra Іncognita» представив глядачам свою третю прем’єру. 25 листопада пройшов показ вистави «Голос тихої безодні» в постановці Анатолія Левченка. Спектакль вийшов напередодні Дня пам'яті жертв голодоморів, та нагадує нам про трагічні сторінки нашої історії 1932-1933 років. Українське суспільство буквально травмоване цими подіями як ментально так і демографічно. Ось тільки відірваність причин від наслідків трагедії досі не дає можливості  цілком здолати посттравматичний синдром. Наш діагноз  - дистанціювання та відмова від особистої суб’єктної причетності до подій.  Вбивства в масштабі мільйонів - це не тільки важко, а скоріше страшно собі уявити. Щороку всі інформаційні видання справно нагадують нам про Голодомор, але у творчому просторі брак емоційних рефлексій на цю тему досить відчутний. П’єса «Голос тихої безодні» сучасної української драматургині  Неди Неждани намагається дещо компенсувати цей дефіцит. Замість фактів або доказів п’єса використовує матерії суб’єктивного світу – емоції, переживання та реакції, завдяки чому спектакль сприймається як робота саме творча, а не програмно-виховна. «Голос тихої безодні» досліджує внутрішній світ особистості яка потерпає від нещадності буття. Героїня перебуває ще наче в першому колі пекла, на межі справжньої прірви.  Вона навіть має крила та може втекти, але гравітація страху не дозволяє їй злетіти. Голод, розстріли, доноси, біль втрат, відчуття провини, страх перед загибеллю – все це передається глядачу крізь інтроверсійне відчування головного персонажу. І хоча в цілому відносини дихотомічно візуалізовано як протистояння вовків з птахами, розпуття, на якому опиняється головна героїня набагато складніше. Добре коли можна обирати між гарним і поганим, але їй доводиться обирати між поганим і ще гіршим… Що краще, опинитися у безодні, чи стати її частиною? П’єса написана в форматі моновистави, проте в Маріуполі цю монофонічність розклали на три голоси. Втілювали головну героїню три актриси: Дар’я Іванова, Віра Швецова та Вікторія Агафонова. Завдяки цьому сміливому кроку, режисерові вдалося суттєво додати різнобарв’я і динаміки, але при цьому й зберегти фокусування на головному персонажі. І знову (це притаманно також двом попереднім виставам «Terra Іncognita») мінімалізм в сценографії та сюжеті не дає приводу глядачеві перемикнутися на якісь другорядності. Ще однією цікавинкою маріупольської інсценізації був звуковий супровід - до участі був залучений  маріупольський дримбар Andy Toledo. Досвід живого озвучення вистав в Маріуполі поки що використовується мало. А даремно. Звісно, умовах сценічного мінімалізму вимоги до майстерності акторського складу стають  чи не найголовнішим критерієм успіху чи навпаки провалу всієї вистави. Нелінійна ритмічність та емоційні амплітуди які були закладені в текст драматургом зовсім не спрощують завдання. Проте, на диво, висунути якісь суттєві претензії до роботи артистів дуже важко. Чому на диво? Тому що всі три виконавиці є штатними актрисами академічного театру в Маріуполі, де в репертуарі нічого подібного не пригадується. Цей матеріал справді дав можливість побачити в знайомих артистах досі приховані дивовижні риси. Схоже незвідана земля приносить свої перші скарби.   Вистава вийшла емоційно дуже потужною. Актриси зуміли передати безодню відчаю, ненависті, надії та жаху. Разом з тим у в’язкій, інертній атмосфері фатуму, їм вдавалося спричиняти надривні емоційні вибухи, іскри від яких прошивали наскрізь. Навряд чи хтось зміг полишити глядацьку залу зовсім байдужим, анітрохи не пораненим цими уламками. Так чи інакше, здається саме в цьому і можна побачити надзавдання театру – цілити в саме серце. Іван Станіславський Театр Thu, 28 Nov 2019 12:37:20 +0200
У маріупольському незалежному театрі йде вистава «Селфі зі склерозом» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31295/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31295/
]]>
18 листопада у приватному маріупольському театрі «Terra Incognita» відбулась прем’єра вистави «Селфі зі склерозом» за п’єсою українського сатирика Олександра Володарського в постановці Анатолія Левченка.  Маріуполь вже дванадцяте місто в театральній біографії цієї вистави, «Селфі зі склерозом» йде у Києві, Вінниці та багатьох інших театрах України та Росії. Проте саме маріупольська постановка встановила своєрідний рекорд. Виконавиці головної ролі Ганні Федорівні Фоменко незабаром виповниться 86 років і вона найстарша з усіх актрис що бралися працювати над персонажем Майї Михайлівни. Буде цікаво зазначити, що за словами автора п’єси, наймолодшій виконавиці цієї ролі всього 27. Отже, постановка стала бенефісом Ганни Фоменко – старійшини місцевої сцени – за її плечима вже 57 років в акторській професії. Також до акторського складу потрапив ще один з найдосвідченіших акторів нашого театру  - Валерій Сарбей. А хронічний склероз втілював двадцятитрирічний артист Дмитро Нестеренко. Отакий сплав досвіду та молодості. Склероз важко вилікувати, але про нього легко забути. Цей афоризм дуже пасує головній героїні спектаклю Майї Михайлівни. Їй 92 роки, вона пенсіонерка. Проте пенсіонерка, у власному тлумаченні цього поняття. Згідно з термінологією Майї Михайлівни пенсіонер - це людина, якій набридло працювати, але не набридло жити. Дійсно, як може набриднути таке життя, коли кожної миті несподіванки? Гарна штука склероз. Майя Михайлівна самотня жінка, проте в уявній реальності, навколо неї обертається цілий космос спогадів та примар, що виринають із темряви минулого. Саме в цьому паралельному всесвіті відбувається дія спектаклю. Склероз персоніфіковано в образі молодого хлопця, що назавжди прикутий до бабусі, та відверто тяготиться від щоденного серіалу в стилі «дня бабака».   Проте раптом рутинність порушується.  Інтимні подробиці минулих романтичних стосунків стають відкриттям для самої Майї Михайлівни й для її склерозу. Згодом перед глядачами розвертається ціла сповідь, сповнена зворушливих, іноді сентиментальних деталей. Героїня постає жінкою, яка дуже багато чого пережила на своєму віці. Дитинство, війна, кохання – тепер все в минулому, зараз її життєвий шлях добігає кінця. Але ніякої чорної меланхолії – цей спектакль справжня антологія гумору. Персонажі спритно жонглюють афористичними, відточеними жартами та саркастичними ремарками.  Явно відчувається рука майстра сатиричного тексту.  Звідси, здається, й форма вистави. «Селфі і склерозом» це суто текстуальний спектакль. Трохи штучного диму та перука отруйного кольору – ось, мабуть найяскравіші візуальні штучки, що використав режисер. Доволі простий сюжет, лаконічне сценічне втілення та стримана акторська гра – все це м’яко орієнтує  глядачів на сприйняття вербальної інформації. «Селфі зі склерозом» це не складна наповнена актуальними проблемами сучасності вистава, що зриває дах. Але вона і не така одновимірна як може здатися. Спектакль обережно наштовхує на певні рефлексії, що можуть відрізнятися залежно від віку глядачів, та з часом зазнавати трансформацій. Спочатку здається що «Селфі» це такий життєвий анекдот – посміялися та забули Але коли примірюєш Майю Михайлівну на себе, приходить розуміння що кожен з нас може колись лишитися на одинці зі своїм склерозом. Люди доживають свій вік поза суспільством, зачинені в ефемерному світі власних спогадів – подібна проблематика соціальної капсулізації вже була на маріупольській сцені. В академічному театрі кілька років тому йшла вистава «З привітом твої таргани» того ж Анатолія Левченка за п’єсою Богаєва. Але тут річ вже не про легітимізацію примарних світів. Історія однієї людини передає існування цілого покоління. А може й навіть не одного. Здається, щоб почути голоси людей, які зачинені в ефемерних світах, нам всім просто потрібно бути чуйнішими та уважнішими. Іван Станіславський  Театр Fri, 22 Nov 2019 15:31:32 +0200
В Маріуполі розпочав роботу театр «Terra Incognita» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31037/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/31037/
]]>
  27 жовтня в Маріуполі розпочав роботу недержавний театр під назвою: «Terra Incognita - свій театр для своїх». Першою виставою цього нового храму культури став моноспектакль за поезіями Й. Бродського у виконанні неперевершеного декламатора Валерія Сарбея.   «Terra Incognita» починання найдосвідченішого режисера місцевого академічного театру Анатолія Левченка, який добре відомий маріупольцям за виставами «Слава героям», «Енеїда», «Дурдом» та ін. Театральний проект отримав постійну прописку на сцені Маріупольського театру ляльок, де в його розпорядженні є зала місткістю біля сотні глядачів.   Докладніше про творчу місію «Terra Incognita» розповів сам засновник театру: - Анатолій Миколаєвич, як виникла сама ідея цього театру? - Формальним поштовхом до цього був мій ювілейний творчий вечір під назвою «Terra Incognita». Але сама ідея, вона була вже доволі давно. В столиці, та інших містах України існують альтернативні театри недержавної форми власності, і деякі доволі потужні. Напевно я зрозумів що замість того щоб постійно воювати з іржавим бюрократичним апаратом держкультури, краще робити щось більш продуктивне. - В назві театру зазначено – «Театр для своїх». Хто вони, свої? - Я вважаю що театр та глядач повинні взаємодіяти один з іншим, десь як в історії з Лисом у «Маленькому принці». В нашому театрі глядач не споживач, а скоріше співучасник. Той хто разом  з нами  дивиться, думає, говорить – оце свої. - Хто входить до трупи театру? У нас професійний колектив. Будуть залучатися вже відомі актори, та учні старшої групи маріупольської театральної школи студії. - Яка буде жанрова репертуарна основа вашого театру? Антрепризність чи елітарність?  - Буде як перше так і друге. Те, що ми називаємо розважальним жанром буде, але це буде дозовано. В тому сенсі, що будемо обирати твори, які здатні пробуджувати у глядача якісь складні емоції. Як казав Жан Жак Руссо про те: чи кумедне наше життя, або навпаки – серйозне. Щось таке щоб достукатись до серця, душі та мозку глядачів. Тому ми вже обрали Неждану та Гоголя. Також у нас буде те що називають перформативним мистецтвом. Після нового року чекайте «Сватання in Goncharivtsi» -  новий погляд на класику. Також  ми плануємо свій майданчик віддавати під роботи інших камерних театрів. Тобто жанрове поле у нас не обмежене.  - В чому особливість концепції «Terra Incognita», що глядач може тут отримати такого, чого нема в академічному або в інших альтернативних театрах? - Мабуть, це те що ми професійно обговорюємо світоглядні теми. Наш театр це місце щирої та відкритої розмови з глядачем про світ, про час та про місце людини в ньому. - Тобто головний акцент  театру на спроможності донести ідею до глядача? - Саме так. - Напевно вам відомо що в Маріуполі крім академічного театру вже є один аматорський колектив, та невдовзі з’явиться ще один. Пропозиція театрального продукту зростає. А чи буде попит? Чи Маріуполь настільки театральне місто? - Як казала одна талановита людина – «Нехай мистецтво буде різним, аби тільки не нудним». Я думаю що ця здорова конкуренція вона й покаже що життєздатне, а що ні. Ми намагаємось зайняти ту нішу, де, як мені здається, існує певний дефіцит – нішу розумного театру.  Наразі театр «Terra Incognita» анонсував дві майбутні вистави. 18 листопада пройде «Селфі зі склерозом» Олександра Володарського, а 25-го «Голос тихої безодні» Неди Неждани. На обидві вистави очікується приїзд авторів. Іван Станіславський Театр Mon, 28 Oct 2019 15:31:23 +0200
Драматичний театр в Маріуполі починає сезон виставою «Біла ворона» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/30977/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/30977/ 19 жовтня драматичний театр в Маріуполі розпочав новий 142-й театральний сезон виставою «Біла ворона», яка позиціонується як рок-опера. В основі цієї постановки однойменна драматична поема Юрія Рибчинського...
]]>
19 жовтня драматичний театр в Маріуполі розпочав новий 142-й театральний сезон виставою «Біла ворона», яка позиціонується як рок-опера. В основі цієї постановки однойменна драматична поема Юрія Рибчинського (до речі, вона цього року святкує 30-річчя) в музичному супроводі Геннадія Татарченко. Вперше поема Рибчинського була втілена на сцені театру імені Івана Франка в 1991 році, та досі представляє неабиякий інтерес для театральних режисерів. Мабуть, самим великим її поціновувачем в Україні є Максим Голенко, який не так давно презентував вже третю версію рок-опери. А тепер до фан-клубу оперних рокерів долучилася режисерка маріупольського театру Анжеліка Добрунова. Відкриття нового сезону саме україномовною п’єсою, мабуть, можна вважати декларацією намірів. Бо в планах маріупольського театру стоїть доволі амбітна мета - за три роки повністю перейти на україномовний репертуар. Проте в афішах стратегію цього руху поки що побачити важко. В минулому сезоні частка україномовних показів на великій сцені для дорослого глядача трохи перевищила 12 відсотків. А серед анонсованих восьми дорослих вистав на великій сцені, що пройдуть з 19 жовтня по 3 листопада тільки дві державною мовою. Але повернемось зі страждаючого сьогодення до середньовіччя. В центрі дії канонічний подвиг французької дівчини Жанни Д’Арк. Покинувши коханого Жанна очолює боротьбу з англійськими загарбниками під час Сторічної війни. Далі зрада та мученицька смерть на вогнищі. Класична сюжетна лінія та символізм, що вже набув інтернаціонального значення. Фабула зведена до протистояння добра і зла у моделі захисник-загарбник. Але, завдяки жанровим особливостям, наратив тут відходить на другий план поступаючись іншим складовим. Якщо ви маєте хоч якесь розуміння, що таке взагалі «рок» в музичному сенсі, то вже на перших секундах вас чекає нокдаун. Фонограма «Білої ворони» це караоке трек шансонно-ресторанного формату, що був набраний з примітивних MIDI семплів. Це по-перше. По-друге, сам музичний матеріал жанрово дуже далекий від дефініції «рок».  Майже всі інші композиції - прямі нащадки радянських ВІА зразку 70-х 80-х. Саундтрек «Ворони» нагадує щось середнє між «Мушкетерами» та «Людиною з бульвару Капуцинів». Скориставшись інтернетом розумієш, в чому справа. Композитор Геннадій Татарченко, відомий своїм співробітництвом з такими «монстрами рок-сцени» як Валерій Леонтьєв, Софія Ротару, Іво Бобул, Тамара Гвердцетелі. Was ist? – лунає зі сцени. Мимоволі починаєш задавати собі це питання в приступі когнітивного дисонансу. Що до «оперності» вистави, то тут теж має місце гіперболізація. «Білій вороні» відверто бракує потужності та величності оперних творів. Частіше вона просто гучна та бравурна. Масові хореографічні номери  могли б бути прикрасою вистави при умові більш ретельного виконання.  Єдиною складовою «Білої ворони», яку безумовно можна назвати вдалою та нагородити навіть більш нескромними епітетами, виявляється лідер вокал. Дар’я Недавня у ролі Жанни Д’Арк, це відкриття, це успіх і відрада. Її голос є наче джерелом життєдайної сили у царстві мертвого синтетичного саунду. Тому короткий відрізок «a cappella» запам’ятовується, мабуть більше за все. «Рок-опера» - це звучить круто. Проте, якби жанр було визначено скромніше, як «мюзикл», це було б не так пафосно, але, здається, ближче до правди. Бажання подати «Білу Ворону», як щось небачене та грандіозне, лише створює завищені очікування. Разом з тим бентежить відсутність спроб до якогось переосмислення та адаптування матеріалу. Маріупольський глядач у 2019 році де-факто отримує гімн «д’артаньянствуючим» вісімдесятим, не тільки в музичному але і в сценічному сенсі. Замість сучасних театральних тенденцій – архаїка. Замість актуальності – ностальгія. Замість руху вперед – флешбеки в минуле. Якщо поглянути під широким кутом, то «Біла ворона» для нашого театру це звісно новий та сміливий формат. Вистава є театральним продуктом цілком придатним для споживання, і вже викликала великий інтерес публіки. Добре впізнавані архетипи, яскравість, помпезність, масштабність та видовищність безперечно перекриють низькоякісну та безнадійно застарілу музичну складову. І якщо «Біла Ворона» по бокс-офісу зможе конкурувати, наприклад, з «Примадоннами», то це вже можна буде вважати частковою індульгенцією. Іван Станіславський Театр Tue, 22 Oct 2019 15:24:43 +0300
Театральна брама. Вхід або вихід? В Маріуполі пройшов фестиваль театрального мистецтва https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/30576/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/30576/ З 4-го по 10-те вересня в Маріуполі вперше проходив театральний фестиваль "Театральна брама". 
]]>
З 4-го по 10-те вересня в Маріуполі вперше проходив театральний фестиваль "Театральна брама". Необхідність заповнити цю нішу визріла вже давно. Багатий асортимент музично-розважальних подій, що проходять в місті, потрібно було урівноважити подіями культурними. І ось, здається, відбулось. Організатором і базою для "Театральної брами" став місцевий драматичний театр за підтримки обласного управління культури.  Плей-ліст повинен був включати одинадцять постановок дев'яти різних театрів, у тому числі дві у виконанні артистів місцевої сцени. Але, в останні дні перед стартом стало відомо, що одеський ТЮЗ і львівський театр імені Дрогобича не братимуть участі в "Брамі". Таким чином, для розширення світогляду місцевому глядачу залишилося сім п'єс у виконанні шести іногородніх труп. З них п'ять на великій сцені. Самими очікуваними і авторитетними гостями фестивалю, без сумнівів, виявилися представники Івано-Франківського національного театру імені Івана Франка під керівництвом Ростислава Держипільського. Сьогодні, цей колектив став одним з тих, хто визначає тенденції усієї української сцени, і його участь, по суті, "зробила" увесь фестиваль. Івано-Франківці більше всіх вклалися не лише авторитетом, але і приготували найоб'ємнішу програму.  "Театральну Браму" відкрив спектакль "Солодка Даруся" по роману Марії Матіос, що вже став візитівкою театру імені Івана Франка - 11 років на сцені та близько 250 показів. Несамовита трагедія, що експонує жах встановлення радянської влади в Прикарпатті через долю простої людини. У фундаменті вистави - українська фольклорна поетика сповнена живим енергетизмом, без щонайменшого натяку на лубок або шароварщину. Виконавці ролей - вони ж і носії етнічних традицій. Напевно, в цьому і є секрет - трупі не потрібно грати українців. Коли на сцені природність, а не імітація - це справляє зовсім інше враження.    Фрагмент вистави "Солодка Даруся" Піднесена візуально-звукова складова в спектаклі вдало збалансована з натуралізмом сценічних рішень, і не створює конкуренції наративу. "Солодка Даруся" - це архітектурно складна багаторівнева притча про правду людську, і про правду історичну. Велика чаша гіркої правди для усіх українців, яку варто випити до дна. Якщо звісно ви здатні на це, адже спектакль триває майже три години. На жаль, відкриття "Театральної Брами" не зібрало повного залу (680 місць) - це факт. А після антракту, за "лисини", що з'явилися, в партері навіть стало якось незручно перед гостями. Другим номером "Брами" на великій сцені знову стала робота театру імені Івана Франко по п'єсі Марії Матіос. 5 вересня маріупольці дивилися "Націю" в постановці Ростислава Держипільського. Цей триптих можна назвати одночасно і сиквелом і приквелом до "Дарусі". Обидва спектаклі виглядають настільки споріднено, що можна розглядати їх як надпотужну дилогію національної трагедії. Фрагмент вистави "Нація" Але разом з творчою місією, театр Івана Франка виконав ще одну. Дуже символічно, що у своє перше відвідування прикарпатці зробили акцент саме на патріотично-світоглядних проблемах. Переосмислення місця України в радянській історії, український повстанський рух, злочини комуністичного режиму – всі ці питання в Маріуполі досі табуйовані та не промовляються вголос. Показовий приклад - сумна доля постановки "Слава Героям" по п'єсі Павла Ар’є на нашій сцені. У вікенд маріупольським глядачам представили свої роботи три колективи. Театр українського фольклору "Берегиня" показав містерію за мотивами "Тіней забутих предків". Миколаївський російський театр на малій сцені дав "Кольори" по Ар’є. А гості з Луганського муздраму додали екзотики, втіливши матеріал турецького драматурга Тунджера Джюдженоглу "Лавина". В понеділок на малій сцені прозвучав "Голос тихої безодні" (Н. Неждана) у виконанні запорізького ТЮЗу.  Господарі сцени скромно обмежилися двома показами на малій сцені - "Сойчине Крило" (І.Франко) і "Шинкарка" (С. Новицька). Закривав програму спектакль "Экспериментаріум" за п'єсою Павла Ар’є "На початку і наприкінці часів", який привіз з Ніжина театр імені Коцюбинського. Особливістю цієї інсценізації став виконавець головної ролі. Бабу Прісю тут грає генеральний директор та художній керівник театру Юрій Муквич. В його виконанні цей образ набув несподіваних інтонацій. Фрагмент вистави " Экспериментаріум " «Театральна Брама» стала гуртовим імпортером новітньої української драматургії в Маріуполь. Загалом  шість постановок зіграно за текстами сучасних українських авторів. Така орієнтація дуже тішить, але дефіцит у цьому жанрі має штучний характер. Ті ж Ар’є і Неждана зовсім нещодавно були в репертуарі. Проте, на превеликий жаль, глядачі позбавлені їх робіт через внутрішні чвари всередині маріупольського театру.  І звісно, хотілось би, щоб цей фестиваль став чимось більшим ніж регіональна театральна подія. "Брама" може стати отвором в завісі географічної й культурної провінційності, через яку маріупольський драматичний міг би плідно взаємодіяти з сучасною українською сценою. Але поки що, крізь «Театральну Браму» тільки фрагментарно можна було побачити великий світ національного театру, який звідси здається потойбіччям. Хоча насправді все навпаки. Щиро побажаємо цьому фестивалю творчого розвитку та не перетворитися лише в статтю витрат обласного кошторису.  Іван Станіславський   Театр Thu, 12 Sep 2019 15:17:11 +0300
В Мариуполе можно прокатиться на «Метро». Билеты продаются в театре https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/29807/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/29807/ 5 июля в мариупольском драматическом театре прошел очередной показ спектакля «Метро». Автор пьесы, и режиссер постановщик - Андрей Романий, больше известен как актер национального театра им. Франко, в прошлом актер Донецкого муздрама.
]]>
5 июля в мариупольском драматическом театре прошел очередной показ спектакля «Метро». Автор пьесы, и режиссер постановщик - Андрей Романий, больше известен как актер национального театра им. Франко, в прошлом актер Донецкого муздрама. «Метро» был впервые поставлен в начале 2017 года как студенческая работа в харьковском университете им. Котляревского, а зимой 2019 спектакль вместе с декорациями переехал в Мариуполь. Заявленный жанр представления чем-то напоминает описание будничного путешествия в мариупольской маршрутке - «Опасная поездка без возможности сойти». Еще одной особенностью полуторачасового спектакля, стало решение объединить зрительный зал и подмостки. Около полусотни посадочных мест вынесли на площадку большой сцены, окружив ими с трех сторон импровизированный вагон поезда, в котором проходит большая часть действия. Мариупольский театр нечасто прибегает к помощи приглашенных режиссёров и еще реже экспериментирует со сценическим пространством. На волнах сарафанного радио эти два обстоятельства создали определенную интригу, обеспечив спектаклю уже шестой относительно успешный показ. Хотя с другой стороны, повышенный интерес к привозному «Метро» можно расценивать и как усталость зрителя от местного репертуара. «Метро» - еще одно название, пополнившее итак немалую обойму русскоязычных спектаклей в ассортименте театра. Если не считать разово выскочивший в мае месяце «Слава Героям», то комедия «Боинг- Боинг» по Камолетти, оказывается единственным представлением на украинском языке, которое шло на большой сцене в период с мая по июль. Видимо реноме «русского» театра, которое наш драматический бережно хранил не одно десятилетие, и которого формально лишился в 2016 году, на деле не потеряло актуальности. Шум толпы. Перед зрителем предстает возвышенный образ верховного божества всей подземки (естественно в исполнении Александра Арутюняна). Многозначительный машинист в фуражке и строгом кителе старается направить на философские мысли о пути и предназначении. Экспозиция происходит на перроне, зритель по очереди знакомится с миром подземки и населяющими его персонажами. В ожидании поезда герои выдают череду банальных сериальных прелюдий, насилу скрепленных между собой словесной перекличкой. Следуя по этому курсу, уже начинает казаться, что весь спектакль будет представлять типологическую серию различных эпизодов. Но, вскоре, завязка дает понять что «Метро» пойдет по рельсам классической трехактовой схемы. Прибывает вагон, и все пассажиры оказываются замкнуты в пространстве, где уже невозможно избежать друг друга. Катализаторами кульминации в этой колбе становятся два развращенных деньгами мальчика-мажора. Плохиши рассуждают о природе и роли сильных мира сего в контексте существования черни как первопричины неравенства. И по очереди провоцируют каждого из пассажиров проявить свои низменные качества. Андрей Романий задается благородной целью пытаясь вызвать зрителя на разговор о язвах современного общества. Одним махом обсуждаются гендерные, религиозные и нравственные проблемы. В развязке обозначается выход на моральную установку, но она оказывается задавлена многотонным поездом недостатков. В первую очередь драматургических. Слабый текст, насыщенный банальностями, телевизионный примитивизм в образах, стереотипные до тошноты персонажи, плоскость и предсказуемость сюжета. Несмотря на свой высоконравственный посыл, спектакль в целом не срабатывает. Вагон катится немного не по тем рельсам. Драматургия студенческой самодеятельности не раскрывает серьёзности заложенных проблем, и концептуальное по задумке «Метро» больше похоже на аттракционный дикий поезд. Экшн с матюгами и поножовщиной, живой кот в коробке (пожалуйста, пожалейте животное), немного эротики ну и конечно зрительный зал на сцене – вот что невольно становится основными пунктами зрительского спроса. Иван Станиславский ► Читайте также: «Главная роль Анатолия Шевченко» или «Тысяча тонн пота». Интервью с актером мариупольского театра   Театр Sat, 13 Jul 2019 16:50:16 +0300
«Главная роль Анатолия Шевченко» или «Тысяча тонн пота». Интервью с актером мариупольского театра https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/29633/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/29633/
]]>
«Человек с отменным чувством юмора и способностью к самоиронии, критичен и требователен к себе, но при этом очень скромен». «Знает, что такое настоящие ценности». «Глубокий интеллектуал». «Большой души человечище, с принципами, понятиями и без двойного дна». «За внешней броней спрятан добряк». «Профессионал с большой буквы». «Воплощённые им на сцене персонажи никогда не оставляют равнодушным, ведь он создаёт их с душой и большим, добрым сердцем». «Актер, у которого хочется учиться!». Такими словами характеризуют Заслуженного артиста Украины, Анатолия Николаевича Шевченко его коллеги по мариупольскому театру. С не меньшей любовью и уважением о нем отзываются и зрители. Автор в «Энеиде», Прохоров в «Дурдоме», Иван Жуков в «С приветом твои тараканы», Остап в «Слава Героям» и Тевье в «Поминальной Молитве» - все это Анатолий Шевченко.  Это лишь несколько самых свежих и значительных работ, а всего в репертуарном листе артиста числится свыше полусотни ролей, причем подавляющее большинство из них главные. 28 июня Анатолий Шевченко отмечал  65 лет. И этот жизненный юбилей, как это часто бывает, совпал с творческим. Ровно два десятилетия назад Шевченко стал актером драматического театра в Мариуполе. Пользуясь этим двойным поводом, мы встретились с Анатолием Николаевичем, чтобы поздравить, а заодно и проверить чувство юмора. - Где ваша родина и чем занимались в детстве? - Моя родина - это Мариуполь. Здесь я родился и провел свое детство. В школе ходил в литературный кружок, стихи все читал. Потом попал в народный театр. - Что побудило вас сделать этот шаг из зала на сцену? - Даже и не знаю. Когда-то с мамой мы ходили на концерт Магомаева, на стадион.  Так влюбился в его голос, что решил стать артистом. Орал под все его пластинки. - Изначально, вы хотели стать певцом? - Нет, петь я не хотел, потому что слух у меня не очень. Хотелось быть артистом. Тогда, наверное, ощутил это впервые  - я хочу быть артистом. Так и попал в народный театр при ДК «Азовсталь». Но, по сути, там я и недолго пробыл. Начинал репетировать, подходило время сдачи спектакля, а я все время уезжал поступать куда-то. И так несколько лет. Пробовал разные ВУЗы в Москве, в Ярославле, в Воронеже. Потом приезжал назад кланялся со словами: «Возьмите меня обратно». Так продолжалось и до, и после армии. - В армии занимались самодеятельностью или все время отражали угрозы империалистов? - Там было не до самодеятельности. Служил я пограничником в штабе. Работал с секретными документами. - Погранвойска в СССР подчинялись КГБ. Получается, вы были настоящим КГБшником, а потом стали играть в театре бандеровца. Как до этого докатились? - Знаете, я об этом не задумывался. Так получилось само собой. Где служить ведь не выбирали.   - Как бы там ни было, но идеологическая робота в отношении вас оказалась полностью провалена. - Так там у нас были все командиры из Украины. И я с ними хохол. Так и служили. - После армии вы все же поступили в университет Карпенко-Карого. - Тогда я решил для себя, что это будет последняя попытка. Если опять не поступлю, то все. Больше и пытаться не буду. Вот так. - А если бы не вышло? - Тогда, наверное, опять вернулся бы в ДК «Азовсталь» и под старость, возможно, смог бы стать вторым Сарбеем. Но я успешно закончил ВУЗ и после окончания 17 лет проработал в днепропетровском театре, до самого развала СССР. - Чем запомнился вам этот период?  - Прежде всего, работой с Анатолием Литко. Считаю его гениальным режиссером. Ни в одном театре не видел, чтобы вся труппа приходила на репетиции режиссера. В этом театре ставили украинскую классику, но Литко старался делать шедевры. Он умел находить тайные ключики, нестандартные решения, о которых я думал – почему я до этого не додумался сам?  С такими людьми я больше не встречался. Человек-педагог, мощный режиссер. Наверное, именно он и сделал из меня артиста. - Затем развалился СССР, нестабильность и безденежье. Я сотрудничал с разными кооперативными театрами в Москве, Ленинграде и в окрестностях. Зритель тогда не ходил в театры, денег не было. И мы вынуждены были искать альтернативный доход. Песни, праздники, свадьбы. Кто как мог, так и зарабатывал.  Тяжелое было время. - Как вы в итоге попали в Мариуполь? - Между Днепропетровском и Мариуполем еще был крымский период. Меня пригласил главный режиссер русского театра, но, в конце концов, я оказался в оперетте. Посидел там немного и понял, что нужно с этого полуострова драпать. Потянуло на родину к матери. И боженька помог мне. Так в 1999 я попал в мариупольский театр. - Как все сложилось на родине? - Ооо! Я поехал и понесся. Тогда здесь был период «безрежиссурья», было полно вакансий и меня сразу взяли. - Какие из ваших ранних работ в Мариуполе запали в душу? - Я такой человек, что не люблю помнить. Каждый спектакль для меня - это работа с чистого листа. Заново и заново. Много всего было. Очень запомнился Швейк, князь из «Ханумы», директор в «Приглашении на казнь». Потом Анатолий Левченко себе придумал, что я мудрый и опытный артист и начал давать такие роли, со словами:  «этого никто не сыграет, а ты, наверное, сможешь». А я все время  подхожу к репетициям беспомощным. Все, наверное, смотрят и думают – та ничего у него не получится. Я из таких артистов, когда начинаю работать - я ничего не умею. - Как готовитесь к ролям? - Читаю пьесу. Бывает, две три фразы героя  западут в память, и нужно к ним идеально стремиться. К этому нужно дойти. Вроде центра, точки всего характера. Вокруг неё обрастаешь. Это как у Маяковского. Тысяча тонн словесной руды. А здесь тысяча тонн пота. Ты начинаешь, как будто бы жить. Но может быть так, что одна сцена - ты живешь, а другая - понимаешь, что только делаешь вид. По синусоиде. - Следите за отзывами на свои работы? - Нет.  Я раз попытался читать книгу отзывов, что в фойе, и зарекся больше не делать этого. - Какие главные качества в актерской профессии?  - Самое главное - это самопожертвование. - Почему именно самопожертвование? - Мы же всегда стремимся, чтобы нас оценил зритель. А это не всегда получается. Ты кувыркаешься, а он может посмотреть и элементарно сказать – «Ну а дальше что?» Сейчас многие артисты даже не пытаются выложиться. Среди молодежи я не вижу пожертвования, скорей всего они исповедуют какой-то принцип сохранения энергии. - Почему у разных поколений артистов, такие разные подходы? - Мне кажется дело в образовании. Чтоб воспитать артиста с ним нужно долго носиться, например, на моём курсе и не все стали артистами.  А сейчас можно получить диплом за три года, или даже за год. Хорошо если на дневном. А что такое заочная учеба?  Два раза в год по две недели вот и всё. Из-за этого все меньше скворцов и все больше воробьёв. - Вы следите за современным украинским театром? Куда все движется? -  Слежу. Но куда движется украинская драматургия, я пока не знаю. Пьес, как таковых, я не вижу. Только единичные вещи, в основном больше этюды или наброски. Может авторы потерялись? Не знают, в каком мире мы живем, и какой герой нам нужен? А без современной драматургии нет и современного театра. Театр для меня - это драматургия. Вот пьеса Арье «Слава Героям», например. Она вроде есть. Но она ведь тоже этюдная. - Чего, по-вашему, ей не хватает? - Наверное, я бы больше сделал акцент на конфликте между молодыми поколениями. Фоново это есть. А можно было бы дать большую, яркую, развернутую сцену. Показать на фоне чего происходит конфликт дедов. - В «Слава Героям» вам оказалось недостаточно палитры настоящего дня. Значит, вы считаете, что театр должен чутко реагировать на современность. Но наши государственные театры как раз славятся игрой в условности, вечные проблемы в абстрактных местах. Сегодняшняя реальность это война, проблемы экологии, коррупция, взяточничество. Должен ли театр реагировать на такую современность? - Театр должен. Но должны сначала и авторы отреагировать. Сейчас настолько запутана политическая ситуация, что люди не понимают о чем писать. А ведь натуры хоть отбавляй. К примеру, человеку 35 лет, смотришь на него, а он комсомолец в чистом виде. Выдает квинтэссенции, которые я читал на плакатах в школьные годы. Заочник института марксизма ленинизма какой-то. - Чего Мариуполю не хватает в плане репертуара? Что сейчас нужно бы было показать? - Я бы начинал украинскую литературу, но с более простых чувственных вещей. «Безталанна», «Сватання на Гончарівці», например. - То есть нужно включаться в образовательные функции? - Да, зритель сейчас на таком уровне, что прежде чем говорить о чем-то прогрессивном, нужно усвоить азбучную украинскую драматургию. - Сколько может понадобиться времени, чтобы перейти от азбуки в старшие классы? - Если ставить действительно хорошие спектакли, то хватит и двух лет. Проблема в потенциальном качестве постановок. - За плечами 20 лет в мариупольском театре и почти 40 лет в актерской профессии. Скоро вам стукнет 65. Есть ли кому передать эстафету? - Пришел вот к нам недавно очень хороший артист Андрей Луценко. Он моложе меня лет на 10. Есть и молодежь, на которую можно положиться. Например, Дима Нестеренко. Мне очень нравится его отношение к работе. Он все время горит на сцене. Мне это очень импонирует. Даша Недавняя тоже девочка старательная. Есть разрыв конечно, у нас либо старые, либо молодые. Но хорошие артисты все же имеются. Вопрос о передаче эстафеты, просто уловка чтобы узнать мнение о коллегах. Новую работу Шевченко начинает с чистого листа и с нулевой отметки, каждый раз рождаясь и проживая жизнь на сцене. Наверное, поэтому реальный возраст и не имеет для него особенного значения. Юбиляр говорит, что 65 лет, это такой период, когда главная роль уже прожита, а впереди только эпизоды. Но с этой осени, кроме основной государственной сцены, Шевченко будет выступать дополнительно в независимом театре.  А это значит, еще больше главных ролей и еще больше жизней. беседовал Иван Станиславский Театр Mon, 01 Jul 2019 13:28:07 +0300
«Модернизация классики». Спектакль «Парадоксы преступления» на ГогольFest 2019 в Мариуполе https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28849/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28849/
]]>
1 мая театральную программу «Startup Гогольfest 2019» в Мариуполе завершила драма абсурда режиссера Влада Троицкого и театра «ДАХ» - «Парадоксы преступления». В качестве первоосновы для спектакля послужили два произведения: «Преступление и наказание» Достоевского и «Парадоксы мистера Понда» Честертона в драматургической интерпретации KLIM. Уже название спектакля явно намекает на литературный симбиоз, проявления которого, будут встречаться не только в заголовке. Эволюция сюжета связана с логическим течением диалогов и апартов, имеющих порой довольно внушительный объём. В них быстро распознается элитарно-аристократический тон, характерный для произведений Достоевского.  По атмосфере беседы родственны  сценам из фильмов Тарковского. И это впечатление подогревает исполнитель роли Раскольникова Владимир Лутиков, напоминающий Кайдановского.  Действие начинается с беседы, оформленной в лучших традициях жанра абсурда. (Хотя действительно абсурдистскими  во всей постановке можно назвать всего пару эпизодов.)  Два инспектора выясняют кто из них больше креационист, а кто больше дарвинист. Следя за калейдоскопической словесной перепалкой, наполненной противоречивыми, а порой бессмысленными высказываниями и логическими тупиками, зрители понимают, что произошло преступление. Ученик убил учителя. А не студент процентщицу, как вы подумали. Хотя и это тоже там есть. Есть и топор и параноик убийца. Но самое главное заимствование из романа Достоевского, наверное, - принцип дуализма. Это отражено и в названии, и в композиции, и в какой-то мере в сценографии.  В пьесе эксплуатируется и развивается система двойников Родиона Раскольникова – не очень очевидная, но весьма важная составляющая романа Федора Михайловича. Альтер-эго выступают перед залом с монологами, напоминающими дачу показаний перед судом присяжных.  «Парадоксы» предлагают поразмыслить зрителю над побуждающей причиной, над мотивом преступления, как акта человеческой воли. Именно для этой цели инспекторы привлекают в свидетели литературных героев Достоевского и Понда. Каждый персонаж несет отдельную смысловую нагрузку и подает зрителю, словно образец на стекло микроскопа, собственную аргументированную идеологию.  Однако первичная проблема порождает множество производных и в зале кружит целая галактика вопросов космического масштаба. «Оправдано ли разрушение настоящего во имя лучшего будущего?», «Почему убивать бомбами можно, а чтобы выбраться из нищеты нельзя?», «Размышление сердцем это и есть вера?» «Покаяние и прощение тождественны?», «Бесконечный поиск истины. А может это просто лазейка для оправдания собственного бесполезного существования?».   Влад Троицкий представил мариупольцам классический по своей проблематике материал, но в современной интерпретации. Вместе с дуализмом формы от Достоевского спектакль перенял, несомненно, и концепцию преемственности «человека нравственного» от «человека разумного». Своеобразный парад преступников позволяет зрителю примерять на себя разные психологические модели, и нащупать внутренний конфликт, заложенный драматургом.  А расщепленные образы системы двойников в итоге формируют единую и вполне понятную систему маркеров для идеализированного континуума высокой нравственности.  Иван Станиславский Театр Tue, 07 May 2019 13:42:31 +0300
«Очень глубокое погружение в трагедию». Спектакль «Вакханки» на ГогольFest 2019 в Мариуполе (18+) https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28836/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28836/
]]>
30 апреля в рамках театральной программы «Startup Гогольfest 2019» в Мариуполе прошло хореографическое представление-перформанс режиссера Дмитрия Костюминского и одесского театра «ТЕО: театральное пространство» - «Вакханки». В основе спектакля лежит одноименная трагедия Еврипида, которой уже две с половиной тысячи лет. Постановочная история  пьесы очень велика, даже если брать период только до нашей эры. Но представление нельзя назвать ни архаичным, ни утратившим актуальность. Первое чем впечатляют «Вакханки», еще до просмотра – своей колоссальной формой. Постановка делится на три акта продолжительностью чуть более часа каждый, плюс два не выделенных антракта. То есть нон-стоп четыре с лишним часа.  Даже для ценителей больших форм, это внушительно. А с точки зрения популярного театра – вообще  как гора Олимп. Это обстоятельство одновременно интригует и настораживает – явно что-то серьезное. Но с другой стороны, сколько известно работ, провалившихся под тяжестью собственного хронометража. Зрительный зал от начала и до конца представления заполнен искусственным дымом. Он не просто создает особую мистическую атмосферу, но и в переносном смысле связывает сюжет. Завязка происходит как будто в бане или прачечной. Затем та же дымка окутывает ночной клуб, и в макабристическом финале она также оказывается кстати. По сути, спектакль не прекращается ни на секунду, но между актами предусмотрены паузы. Музыкальные. Можно потанцевать с актрисами или выйти на улицу. Но даже эти антракты четко вписаны в композицию постановки и не кажутся неуместными. По сути, в спектакле остались все основные контрапункты древнегреческой легенды. Молодой полубог Дионис приезжает в родные края, чтобы расширить круг своих почитателей. Но местный авторитет Пенфей, оказывается строгим поборником целомудрия, он вступает с Дионисом в схватку и погибает. Здесь ничего нового. Но режиссерские решения, интерпретации классических сцен и актуальный символизм делают этот спектакль очень неординарной работой. Пенфей (роль исполняет Иван Макаренко) предстает как наставник некой  группы фанатиков-затворников, где категорически запрещены все контакты с внешним миром, телефон, интернет, книги, журналы, танцы и музыка. Но однажды в этом замкнутом мире как бы само по себе возникает зло в образе прекрасного Диониса. Он появляется в своей естественной и неприкрытой наготе. Андрей Утенков (в роли Диониса) полностью обнаженным исполняет длинный пластический этюд. Ни одна из девушек не в силах устоять соблазну, привычный уклад навсегда  разрушен. Под монашескими одеяниями оказываются сексуальные наряды, а сцена превращается в танцплощадку. Место действия второго акта - ночной клуб «Дионис» - самое средоточие разврата. Провидец Тиресий превращен в бармена-трансвестита, загораются вывески «Bar faunus» и «WC fatum». Здесь Пенфей пытается противостоять Дионису, но терпит фатальное поражение. «Кто ты?» – спрашивает Дионис.  «Я Пенфей!» - уверенно отвечает тот. «Имя твое как одежда, если снять её - не станет тебя». Дионис играючи выворачивает Пенфея наизнанку. Строгий костюм пастора сменяется на платье проститутки – так режиссер визуализировал победу Диониса. Недавний аскет включается в вакханалию. В последнем акте мать Пенфея обнаруживает сына мертвым. Следует кульминационная и самая драматичная сцена спектакля – плач Агавы (исполняет Надежда Марченко). Трагедия состоялась. «Вакханки» спектакль бесспорно актерский, но в то же время и нет. На первом плане индивидуальное исполнительское мастерство и взаимодействие всего актерского ансамбля. Завораживающая пластика Андрея Утенкова и неподдельная экспрессия Ивана Макаренко, ритуальная ритмика и синхронная хореография вакханок. Но большое значение здесь играет аудиовизуально сопровождение. В спектакле часто и много используются стробоскопы, дым, живая и сэмплированная музыка. Динамический диапазон представления очень широк  от полной тишины до оглушающего шквала звуков, от кромешной темноты до ослепительного света. Эти контрасты способны впечатлить любого. Даже больше – людям со слабой психикой и гиперчувствительностью к аудиовизуальным эффектам «Вакханок» лучше не посещать. Бурная и эффектная визуальная сторона «Вакханок» не нанесла ущерб содержательности. Спектакль обращается к зрителям с целой обоймой вопросов глобального масштаба: философия, метафизика бытия, мораль, легитимность авторитетов, гендерные стереотипы, фанатизм и ещё много чего. Вечные вопросы остаются вечными со времен древней Греции. Сказать, что эти четыре часа пролетели в одно мгновение – нет, это не так. «Вакханки» - можно назвать маленьким испытанием для осознанных «гурманов», способных ощутить вкус и получить наслаждение. Но, и нельзя упрекнуть режиссера, что постановка неоправданно затянута. Кажется, постановщик почти не отвел места экспромты. Композиция детально продумана и строго выстроена, все на своем месте и подчинено общему замыслу. Ощущение чего-то «лишнего» почти не возникает. Разные по содержанию и своему решению акты, формируют органичное и целое пространство, в котором, поместилась эпичная история человеческой природы. «Вакханки» способны шокировать, удивлять, доставлять неудобство, но все ради одной цели – максимального погружения в метафизическую материю театра. Погружение проходит удачно. Вы можете легко выйти со спектакля, но он останется внутри вас ещё надолго. Иван Станиславский Театр Mon, 06 May 2019 15:39:50 +0300
В Мариуполе показали итальянский балет «Баттерфляй» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28752/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28752/ В рамках «StartUp ГогольFest» на сцене Дворца культуры «Молодежный» состоялось представление «Баттерфляй - Запрещенные цвета». 
]]>
В рамках «StartUp ГогольFest» на сцене Дворца культуры «Молодежный» состоялось представление «Баттерфляй - Запрещенные цвета». Это уникальный балет-трагедия от итальянского режиссера Моники Казадеи и формации Compagnia Artemis Danza. Сообщает пресс-служба мариупольского городского совета. Показ проходил при поддержке Посольства Италии в Украине и Итальянского института культуры в Украине. Балет создан путем объединения драмы Юкио Мисима «Запрещенные цвета» и классики итальянской оперы «Мадам Баттерфляй» Джакомо Пуччини. Юкио Мисима - известный в мире японский писатель и драматург, получивший признание как своими произведениями, так и экстравагантным стилем жизни и смерти. Джакомо Пуччини называют последним великим оперным композитором. Маэстро был безупречное чувство театра, считая, что музыка оперы, а также ее действие обязательно должны быть единым целым и подчинены единому замыслу произведения. Его «Мадам Баттерфляй» - опера о несбыточной любви японской девушки к американскому офицеру. Моника Казадеи погружается в лирические миры Юкио Мисима и Джакомо Пуччини и переносит персонажей, темы и архетипы в измерение современного танца. Действие яркое и сдержанное одновременно, глубоко связано с самурайской традицией и теми временами, когда соблюдение обещания было частью этического кодекса и морали. Оно создает связь между героиней Пуччини и автором «Запретных цветов» Юкио Мисима. Это две разные истории, которые встречаются в одной системе ценностей. Оркестровый репертуар Пуччини контрастирует с электронными треками композитора Луки Вианини. В апокалиптическом звуковом пространстве звучит только голос Мадам Баттерфляй. Звук проникает глубоко внутрь, пока не происходит жестокий и сильный взрыв, уничтожающий все совести и надежды.  «Баттерфляй - Запрещенные цвета» - это эмоционально и эстетически сильная возможность окунуться в сложный мир противостояния Человека с собственными убеждениями. ► Читайте также: В Мариуполь прибыл арт-поезд   Театр Mon, 29 Apr 2019 00:45:33 +0300
Мариупольцам показали уникальную балетную постановку при участии детей с инвалидностью https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28254/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28254/
]]>
Сегодня стартовал ежегодный фестиваль театральных коллективов города «Мариуполь театральный 2019». Первым представлением стала балетная постановка «Щелкунчик» при участии детей с инвалидностью. Это единственный уникальный спектакль в нашем городе, основателем которого является Елена Беркова – руководитель Мариупольской школы классической хореографии. – «Уникальность этого проекта в том, что детки практически с одной репетиции могут принять участие в спектакле и это возможность охватить как можно большее количество человек. Также мы подали проект на рассмотрение конкурсной комиссии в Министерство молодежи и спорта для того, чтобы организовать Всеукраинский тур спектакля, где бы могли поучаствовать дети с разных городов». В постановке было задействовано 50 детей, двое из которых на инвалидных колясках исполнили главные роли. Главная цель проекта – показать, что люди с инвалидностью имеют равные права, как и все остальные. Один из главных героев поделился своими впечатлениями с нами. Андрей отмечает, что выступать на сцене ему доводилось впервые, но ему очень понравилось принимать участие. -   Спектакль был организован в ДК «Молодежный» благодаря выигранному гранту программы «Общественный бюджет». Театр Tue, 26 Mar 2019 20:53:42 +0200
«Мне есть что сказать». Режиссер и сценограф мариупольского театра Анатолий Левченко отмечает 50-летие https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28229/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28229/
]]>
24 марта режиссер и сценограф мариупольского драматического театра Анатолий Левченко отметил свой полувековой юбилей. Сегодня это самый опытный и продуктивный постановщик в нашем театре, за 25 лет работы Анатолий Левченко представил зрителям около 75 спектаклей. В его репертуарном листе есть, как и классические, так и новаторские работы различных жанров. Стремление расширять театральный кругозор зрителя, культивировать тенденции мировой и национальной украинской сцены – одни из приоритетов Левченко как режиссера. О неудачах и достижениях, о планах и свершениях читайте в интервью с юбиляром. - В этом году у вас сложился какой-то нумерологический парад круглых дат: юбилей – 50 лет, 25 лет творческой деятельности и 75 спектаклей. Какое ощущение у вас от этих цифр?  Для вас это повод сказать – «Я уже много сделал», или – «Мне предстоит ещё много сделать»? - Ну не знаю, есть ли какая-то мистика в этих цифрах. Наверное, сказывается советское воспитание, где культивировалось чествование всяких дат. Для меня это больше как некое личное подведение итогов. Промежуточных конечно. В связи с этим у меня возникло желание показать несколько эскизов планируемых работ и кое-что из прошлого. Все это я готовлю к творческому вечеру, посвященному  юбилейным датам, который состоится 6 мая. Но это не подведение черты, это скорей какая-то точка. Сейчас я понял, что осталось уже, наверное, не так уж и много жизни и творчества. И если раньше я думал что можно где-то отвлечься и не случится ничего страшного, то теперь у меня сформировалось понятие, что нужно делать только то, в чем видишь какой-то смысл, то, чего хочешь. Некоторые говорят, что с возрастом у людей становится меньше принципов, у меня наоборот. Появилось желание заполнять время чем-то существенным. И мне есть что сказать. По крайней мере, так кажется. - 25 лет творческого пути солидный отрезок. Можете рассказать о самых важных точках на этом маршруте, явления, события, спектакли. - С расстояния лет конечно все видится по-другому. Но, наверное, одним из первых важных для меня событий стала встреча с Михаилом Адольфовичем Френкелем, выдающимся украинским сценографом.  В институте Карпенко-Карого он преподавал сценографию. Этот человек заразил меня своим искусством, и я начал работать как сценограф. Если говорить о значимых спектаклях, то из ранних работ можно выделить «Пейзаж» Гарольда Пинтера, «Лолиту» и «Приглашение на казнь» Набокова. Если из недавних: это «Остров Сокровищ», «Последний подвиг Ланцелота», «С приветом твои тараканы», «Энеида» и «Поминальная молитва». В «Молитве» я себе осознанно поставил цель  - оставить голым артиста и сделать чудо пустой сцены. Мне кажется, получилось. Для наших артистов это было в новинку. Ещё одно важное событие за эти 25 лет - я горжусь тем, что в 90-х годах заново открыл в театре малую сцену. Тогда на ней  показали «Именины» по Чехову, сейчас - «Лысую певицу» Ионеско, поворотные вещи для меня. На большой сцене я ставил по Сартру спектакль «За закрытыми дверями», он взял четыре номинации и гран-при как лучший спектакль на фестивале «Театральный Донбасс». Таких точек много, но и между ними еще больше всего было. Сейчас понимаю, что больше всего я горжусь теми спектаклями, где совпала удачная актёрская игра, моя тема, которую я хотел сказать и внешний антураж. Самый большой вопрос, на который я себе ответить не могу - какой я вообще. Читаешь про других режиссеров: этот монументалист, этот абсурдный конструктивист, этот специалист в диком театре. А я хватаюсь за все подряд. Перечитываешь старые газеты – всеядный такой тип получается. - Выходит, несмотря на солидный творческий стаж, вопрос самоидентификации для вас открыт? - Да. Ведь я требую именно этого от актеров и от зрителей. Я не очень понимаю нужно ли мне это, но такой вопрос возник. - Ошибки и неудачи формируют нас даже больше чем достижения. Расскажите о своих неудачах и тому чему они вас научили. - Одна из первых моих неудач – «Трехргрошовая опера» Брехта. Я работал над этой постановкой в 1996 или 1997 году. Как позже стало понятно, мы хотели поставить мюзикл, не зная толком, что это такое. В итоге замучали балетмейстера, намудрили с музыкой. И, наверное, я не был готов к самому Брехту. Это такой тотальный интроверсийный театр. Потом спектакль переделывали, но все равно он остаётся неудачей. Однако, если б не было «Трехгрошовой оперы» не было б и «Острова сокровищ», где мы уже понимали законы жанра. Другой случай. В те же 90-е годы я попытался поставить Шекспира «Сон в летнюю ночь». Меня купили некоторые детали этой пьесы, но на тот момент не хватило режиссерских способностей. Мозгами я понимал всю эту компиляцию, а как режиссер недоработал – проработать мизансцены, оживить символизм, убедить актеров – не вышло.  Но опять же, если б не было «Сна в летнюю ночь» не было б и «Ланцелота».  Ещё одна тема, которая до сих пор «болит». Это моя первая сказка в этом театре (и это был вообще второй мой спектакль в Мариуполе) – «Маленький Принц».  Опять не хватило опыта, ещё я был категорически неправ, что сделал эту сказку новогодней. До сих пор мечтаю поставить её заново. Тот случай, когда хочется вернуться, потому что детей нужно учить сострадать. - Сейчас у вас хватает творческого опыта и возраст, как говорят, зрелый. Есть, ли какой-то материал, для которого вы ещё не созрели? - Есть, конечно. Где-то в 90-х годах ставил я Чехова «Вишневый сад», нельзя сказать, что постановка была совсем неудачна. Но это конечно полотно, шедевр – очень непростой материал. В последнее время часто слышится, что в репертуаре не хватает классики. Недавно так вот нагленько взял эту пьесу и стал перечитывать. Смолоду было огромное желание, но не было режиссерского решения. А сейчас вот, показалось что есть. Обычно как бывает: открываешь материал, и начинают в голове крутиться какие-то образы мизансцены, музыка, отрывки сценографических решений. Это дает первый толчок и после этого - ага завертелось. Но на второй странице я остановился и понял - на Антона Палыча меня не хватает. Один театровед сказал красивую фразу – «Как надо Чехова ставить?  Да очень просто! В пьесах Чехова люди пьют чай, кушают конфеты, а в это время рушатся их миры». Это очень не просто. Альбера Камю перечитал – не готов. То же самое Платонов, повесть «Джан». Мечтаю, стремлюсь, думаю об этом. Вообще это нормальный процесс в профессии, когда ты ставишь себе такие цели, которые заставляют учиться и развиваться. - По поводу учёбы. Есть какой-то человек, которого вы можете назвать своим учителем. - Так сложилось что у меня их даже два. Первый, это педагог институтского курса Ростислав Григорьевич Коломиец, он меня принимал, с первого курса чуть не выгнал, он же меня выпускал. Ростислав Григорьевич,  он, кстати, был учеником Товстоногова, дал мне мощную теоретическую базу, объяснил мне систему Станиславского. Тут мне очень повезло. Второй мой учитель - Михаил Френкель, художник сценограф. Он умел, как никто рассказать о профессии, увлекательно и полезно. Когда он говорил о той или иной работе, это был такой детальнейший и квалифицированный разбор, хотя он сам не поставил ни одной пьесы. Френкель сосредоточил меня одновременно на чувственных и практических вещах. Он привозил много материалов из Европы и показывал студентам современные тенденции. Мы обсуждали многие интересные вещи – ассоциативную актерскую память, например. - Вы говорили, что имеете опыт работы с другими театрами. На данном этапе есть ли желание посотрудничать с кем-то со стороны, нарушить творческую изоляцию, в который находится наш театр. - Такое желание есть. Больше того, имеются даже предложения, но семейные обстоятельства делают меня не слишком мобильным. Пока рано говорить о какой-то конкретике, но мысли есть. Хочется выйти на других актеров, другого зрителя. И одновременно устроить себе проверку - чего ты стоишь в профессии со всем своим богатым опытом. - Если гипотетически. На какой из мировых сцен вам хотелось бы попробовать себя? - Меня манит европейский, так называемый простой театр. Я люблю концептуализм, абсурдистику. Но сам чувствую, что тяготею к театру, который гениален в своей простоте. В этом смысле мне очень импонирует немецкая и английская сцены. Там совсем другой способ игры. Когда видишь разницу между отечественным и зарубежным театром – это удручает. - В мариупольской театральной изоляции появился некоторый прорыв. «Гогльфест» второй год подряд представляет театральную программу, ориентированную на актуальные мировые тенденции. Все сильнее ощущение, что государственные театры отражают мир, которого давно нет. Что-то может двинуть государственный театр в сторону современности? - Если говорить конкретно про наш случай, такое понятие как областной театр, на некоторых оно накладывает свой отпечаток, порой провинция засасывает. Но есть же и другие примеры - Ростислав Держипильский в Ивано-Франковской области смог избавится от этого «наследства». Не все этим довольны, но он может творить какие-то вещи. Бакиров в Чернигове экспериментирует. Где-то что-то прорывается. Мне кажется, тут все зависит от воли конкретного человека. Надо ругаться, доказывать, выбирать материал, и тех актеров, которые способны на это. Слава богу, в нашем театре такие актеры есть. Поэтому я себе сказал - даже если в зале будет сидеть всего сто человек, я буду это делать, Косность сама по себе не исчезнет. Искусство это всегда искусство новых, смелых и молодых душой. Искусство это эксперимент, и это нарушение законов искусства. - Ваша принципиальная позиция по вопросам репертуарной политики стоила вам должности главного режиссера. Но, похоже, так или иначе, вы продолжаете в том же духе. - Вся эта ситуация только укрепила мои намерения. То, что должность художественного руководителя механически была убрана, привело к сползанию театра в старое болото. Но я не думаю, что это надолго. Опыт показывает, что рано или поздно слом происходит сам по себе. Чего не произошло в 2004 – произошло в 2014. Это неизбежно, и это не остановить. Те люди, которые противятся естественному процессу, им самим, как мне кажется, понятна абсурдность собственных действий. Мои позиции никак не изменились и даже наоборот. Если я раньше, где то искал компромиссы, то теперь я этого не делаю принципиально. Люди, которые разделяют мои мысли, слава богу, они есть, и их большинство, все мы будем стараться двигаться к современному театру, актуальным проблемам и модерновому языку. - 6 мая пройдет ваш юбилейный вечер, который станет тоже чем-то вроде точки. Что потом? Какие дальнейшие творческие планы?  - 6 мая я как раз покажу кое-что, что наметил на ближайшее будущее. Это Торнтон Уайлдер «Наш городок», очень интересный по своей форме спектакль. Надеюсь, что мы увидим эту постановку на сцене уже в 2019 году. Мрожек «Дом на границе». Ещё Дмитрий Корчинский «Посттравматическая рапсодия». Да, это тот самый Корчинский. Пьеса о том, как боец выходил из Иловайского котла, происходит, какой-то взрыв и он попадает в прошлое. В пьесе много злободневных аллюзий, даже циничных. Ещё Неда Неждана прислала свою работу «Майдан Инферно», очень интересная вещь, рассматриваю. Есть на примете много других  названий:  Шендерович «Потерпевший Гольдингер»,  очень интересная пьеса без текста Франца Креца «Концерт по заявкам» - это 10 страниц ремарок весьма необычный материал. Ещё из нестандартного - драма на трех мужчин «Сторож» Пинтера. Совершенно мозговыносительная вещь. Три мужика кричат напропалую друг другу. Образец эмоционального театра, когда количество переходит в качество. Такие вот планы на будущее. Мне хочется искать то, чего не было, даже в развлекательном жанре найти новые нотки. Хочется работать  по принципу открытого театра. Подключать воображение человека к действию на сцене, хочется чтобы зритель работал вместе со спектаклем. Иван Станиславский Театр Mon, 25 Mar 2019 13:34:14 +0200
В мариупольском театре показывают «Лысую певицу» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28065/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/28065/
]]>
13 марта мариупольский драматический театр представил на малой сцене спектакль «Голомоза співачка» по пьесе Эжена Ионеско в переводе на украинский Владимира Дибровы. Режиссер-постановщик Анатолий Левченко. Пьеса Ионеско была впервые поставлена в 1950-м году во Франции и давно стала всемирно признанной классикой своего жанра. На украинской театральной сцене абсурд явление не слишком распространенное, поэтому появление «Лысой певицы» в Мариуполе отрадно вдвойне. Постановка одновременно приурочена к 110-летию классика драматургии абсурда Ионеско и к объявлению ООН 2019 – годом языков коренных народов. Связь с объявлением ООН не случайна. Лингвистическая составляющая, пожалуй, определяющая категория в этом спектакле. «Певица» Ионеско считается классикой абсурдизма – начиная от названия и заканчивая последней репликой, атрибуты, эстетика и принципы жанра, – все это вошло в учебники. И вместе с тем здесь отсутствуют некоторые общепринятые компоненты драматургического произведения. В пьесе не заложено никакого конфликта, почти нет сюжета, персонажи аморфны, а содержание не стоит даже пробовать описывать. Герои полностью принадлежат какому-то иррациональному миру, а все развитие, которое может наблюдать зритель, выражено в трансформации полилога между действующими лицами. Пьеса начинается с диалогов, которые постепенно смешиваются в запутанный клубок. Сначала относительно осмысленные реплики распадаются на отдельные фразы, потом на слова и в итоге превратятся в лавину букв и звуков. Такая вот энтропия – материя вербальной коммуникации расщепляется до своих элементарных частиц. Парадоксы, софизмы, оксюмороны и просто нелепости. Риторические вопросы и заявления в стиле «Капитана очевидности». Иногда реплики связаны не смыслами, а больше рифмами, словно строчки стихов футуристов. Как тут не вспомнить палиндромы Хлебникова, «Дыр бул щыл» и прочее. Из-за этого пьеса требует от артистов точнейшего воспроизведения текста. Каждая фраза, словно код ДНК. Одно случайное изменение и все искажено. Герои не только не замечают логических разрывов между собственными посылами и выводами, но как будто стремятся разъединять эти части. Они произносят все большее ничего не значащих фраз, создавая чрезмерно высказанную недосказанность. Но что-то делает из разрозненных нелепостей единое целое. В мариупольском театре постарались оживить и пьесу и героев. В персонажах совсем не ощущается налет холодной британской отстраненности, заложенный Ионеско. Удачным попаданием в характер стала роль пожарника в исполнении Андрея Луценко. Харизма и зажигательный темперамент – как раз то, что нужно для пожарника. Служанка Мери (Виктория Агафонова) получилась еще более огненной. Пылкая, сексуальная и непредсказуемая – ещё одно попадание в яблочко, пусть даже и отступление от оригинала. Эта парочка накалила атмосферу семейного раута Смитов (Вадим Ермишин и Дарья Недавняя) и Мартинов (Вера Шевцова и Дмитрий Музыка) до предела. Еще одна интересная находка, с помощью которой материал старались осовременить - стилизация под телешоу в начальных сценах. Однако в дальнейшем эта идея не получает развития. Композиция постановки проста – действие градиентно стремится к своему максимуму и в финале закольцовывается. Интересно отметить что режиссер разбил кульминацию на мелкие отрезки, тем самым снизив кумулятивный эффект оказываемый на зрителя. Концовка могла бы напоминать неуправляемую цепную реакцию, ведущую к чудовищному взрыву смеха. Возможно, режиссер пожалел зрителей, а может быть имущество театра. Постановка вышла по-молодежному  бурной, смешной, современной (ну и что, что пьесе почти 70, а режиссеру почти 50 лет) и даже где-то нехарактерной для театра с академическим статусом. Аудитория этого спектакля может быть одновременно очень широка, но с другой стороны ограничена спецификой юмора абсурда. Трактовать посыл пьесы можно очень по-разному. В «Лысой певице» гораздо больше метафизики, чем может показаться на первый взгляд. Ионеско играючи разрушает причинно-следственные связи и демонстрирует зыбкость очевидных вещей. Автор вдохновился на написание «Лысой певицы», почитывая английский разговорник, и как уже упоминалось, лингвистика здесь играет большую роль. Но это внешняя, видимая часть. Ведь речь - это криптограмма наших мыслей, метод преобразования результатов  мышления в систему вербальных знаков. Но, как и любой алгоритмизированный процесс, он естественным образом приводит к слепой паттернализации. В нашем случае паттернализации сознания.  Отсюда возникают мыслительные и поведенческие клише. Словно собаки Павлова мы раз за разом предсказуемо делаем одни и те же выводы на основе известных условий. Привычка, сведенная к шаблонности безусловного рефлекса – скажи человеку «А» - он ответит «Б». А почему не «Й»? Иван Станиславский Театр Fri, 15 Mar 2019 11:38:56 +0200
«Не хочу следовать шаблонам, стараюсь искать что-то новое». Интервью с актером мариупольского театра Артуром Войцеховским https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27435/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27435/
]]>
Все интересующиеся театральной сценой мариупольцы заметили, что за последние несколько лет наш театр сильно изменился. Изменилось очень многое, начиная от названия  и заканчивая философией существования. Это современные пьесы и проблематика, украинский язык и обращение к национальному литературному и драматургическому наследию. Изменились и лица нашего театра. За этот короткий период на авансцену вышло много новых молодых людей, о которых нам почти ничего не известно. Как вы убедитесь в дальнейшем, их всех объединяет целеустремленность, профессионализм, почти фанатичная преданность и, конечно же, искренняя любовь к своему делу. Ранее вы могли познакомиться с представителями нашей талантливой театральной молодёжи: Верой Шевцовой, Вадимом Ермишиным и Дарьей Недавней. Герой нашего заключительного интервью молодой актер Артур Войцеховский. Молодой, только в смысле возраста.  За плечами у этого актера уже целых 13 лет в театре и множество разнообразнейших ролей. Самый опытный среди молодых – можно сказать так. Артур, здравствуйте. Стандартный первый вопрос. Расскажите немного о себе и об истоках первичного интереса к искусству. - Я - коренной мариуполец. Родился и всю жизнь прожил в этом городе. Ни в каких детских театрах я не участвовал, но так вышло, что с самого детства я связывал свою судьбу с актерством. Виной всему любовь к кинематографу.  Кино ещё лет с пяти-шести стало составлять довольно весомую часть в моей жизни. Помню, как мама забирала меня из детского садика, и пока все дети спали, водила в кино. - И какие фильмы вы смотрели с мамой, пока остальные дети спали? - Я очень хорошо запомнил две ленты. Это «Рэмбо» и «Робокоп». Вот вы смотрели эти фильмы? - Конечно. - Что там вообще происходило?! Мясо какое-то! Но я благодарен своей маме, что она повела меня на них. - Неожиданный выбор, как для мамы. То есть первый интерес к актерству у вас возник благодаря кинематографу? - Да, именно кино влюбило меня во все это. Мне нравилось, что можно придумать и сыграть самому ситуацию, стать кем-то другим, перевоплотиться. Меня это впечатлило. - Но ведь «Рэмбо» и «Робокоп» скорее, фильмы больше зрелищного, чем актерского плана? - Что касается «Рэмбо» – да. А вот по «Робокопу» не соглашусь. Там есть довольно интересное развитие персонажа. И сам артист мне очень нравится, я смотрел с ним другие фильмы. Да, он не стал суперзвездой. Но я читал о том, как он готовился к этой роли и это очень серьёзно.  Какая работа была им проделана, чтобы добиться характерной пластики робота. Я считаю, фильм создал некий эталон в жанре. - А что насчет более серьезного кино? - Этот период начался, когда у нас появился свой видеомагнитофон.  Лично для меня это было большим событием.  Я смог смотреть фильмы и не зависеть от кинотеатров. Это был 1996 год. Первые впечатления, пожалуй, череда боевиков. Классика жанра - Джеки Чан, Шварценеггер - это мои любимые. А если брать более художественную линию одно из ярких впечатлений - то, что вызвало некий катарсис, это аниме «Призрак в доспехах». Потом период Тарантино. Это была любовь с первого фильма. «Криминальное чтиво» конечно же. А по большому счёту  смотрел все, что попадется под руку. Долгое время мне нравился фильм «Маска» с Джимом Керри. Он долго был в топе моих любимых кинолент. Я смотрел его каждые выходные – раз 15 может быть. Когда пришло понимание, что вы должны заниматься этим? - Не знаю. Я уже был в школе. Сложное было время тогда. Мне кажется у нынешней молодежи больше возможностей. Это были 90-е - совершенно иная культура. И некие проявления эстетства в сфере молодежи, тогда как бы, это было несколько конфузно. - Ну да, для коренного мариупольца, из города стали и бетона, мечтать стать актером, это как-то странно. - Особенно для мальчика. Все мы были разные, но когда мы собирались в стадо это превращалось в определенный шаблон того времени.  Поэтому те желания, которые у меня возникали, я скрывал в себе. У меня начала зарождаться мечта - заниматься актерством, и она крепла. Я никому этого не говорил ни родителям, ни друзьям. Но такой уж я человек, наверное. Если решаю чем-то заняться, то так или иначе, когда-нибудь я попытаюсь это сделать. Когда я поступил в университет, на этот счет стало несколько проще. - Какую специальность вы хотели получить, оставаясь в душе актером? - Я поступил в ПГТУ на специальность «Технология машиностроения». Но не потому, что хотел этого. После окончания школы я с родителями должен был эмигрировать в другую страну. Уже отдал все документы и паспорт. Думал, что уеду. И тут не получается, нужно целый год ждать следующей возможности. Родители мне говорят, что нужно поступать куда-то. Целый год ведь потеряется. А какой смысл? Все равно уезжать ведь. Ну, ладно. Я собирался поступать на психолога в Донецк. Поехать в другой город, а потом на этом плацдарме пробовать приближаться к актерству. Но отец сказал – «Нет. Что это за такая профессия?»  Определились в ПГТУ. В университете я познакомился с ребятами из СТЭМ. Начал с ними общаться влился в компанию, и вот так и понеслось. Там, кстати,  я познакомился с Вадимом Ермишиным. - Тем не менее, не смотря на то, что ваши родители определили вас в машиностроители, в 19 лет вы пришли на работу в театр. Как они к этому отнеслись? - Мой папа меня поддержал. Мама пыталась немножко волноваться, но это больше сработали стереотипы. В итоге и она меня поддержала. Это было, конечно, сложное время, театр переживал крутые времена. Когда я пришел, то застал конец какой-то эпохи. Издыхающие девяностые, можно так назвать. Зарплата тогда была смешная. Я поступил во вспомогательный состав на половину ставки и получал 160 гривен в месяц. Это был шок. Но где-то после 2005 года, на мой взгляд, культура в городе начала оживать и это коснулось театра. Сейчас родители ходят на многие мои спектакли, на некоторые даже по нескольку раз. А вообще мне повезло. Я всегда делал то, что мне нравится. - Какие постановки ваши родители посещают чаще всего? - Мама и папа много раз были на «Примадоннах» и «За двома зайцями». Это лёгкие позитивные, спектакли-праздники. - Помните первую свою значительную роль на раннем этапе? - Это была роль в спектакле Анатолия Николаевича Левченко «Остров сокровищ». Я её очень хорошо запомнил. Две недели как устроился и меня вводят в спектакль, а там уйма хореографии. В каждом акте по три-четыре танца.  Это была маленькая роль с одной фразой, но это был очень срочный ввод. Лишь бы не сбиться, думал я, старался быть в форме. В юности хотелось все хватать на лету. Но нет ничего ужаснее, когда чувствуешь, что из-за тебя все стопорится. Не люблю это ощущение. - Тут, наверное, вы поняли, что работка в театре ещё та. Не захотелось вернуться к технологии машиностроения? - Нет, нет. Что вы. Я никогда даже гипотетически не представлял себя «технарем». Да, в театре сперва было сложно. Но все было в удовольствие. Мысль о том, чтобы что-то поменять и не дергалась. Никаких сомнений. - На сегодня в вашем багаже достаточно много разноплановых ролей. Какие то предпочтения сложились?  - С течением времени мне стали нравиться персонажи с отрицательной линией. Но чтобы обязательно в нем была какая-то внутренняя борьба. Один из примеров это - «Надходить гроза». Я стал тяготеть к таким вещам очень сильно. Ну и второй момент. Я очень люблю легкий игровой ситуативный жанр. Подобное у нас в театре мелькает, но маловато. Например, как в фильме «Розенкранц и Гильденстерн мертвы». Конфликты преображения. Стала нравиться диалектическая часть в театре. - Из всего, что вы сыграли на сцене самая значимая для вас роль? - Тут можно назвать несколько. Первая роль на моем пути, которая во мне все перевернула, заставила запустить мозги на максималку - это роль в «Примадоннах» Добрунова. Я играл Джека, который переодевается в женщину Стефани. Джек был абсолютно не выписан. Кто он и что он? Он якобы из Англии и якобы прагматик. Всё. Не было архетипа характера и это позволило работать свободнее. Приходилось сочинять, чтобы добавить красок и достоверности. И это одна из первых ролей первого плана у меня. Вторая значимая роль - в постановке Добрунова «Театр времен Нерона и Сенеки». Этот опыт я запомню надолго. Это первая моя работа в дуэте, и к тому же с одним из любимейших моих актеров театра - Анатолием Николаевичем Шевченко. В этой постановке много хороших сложностей, с которыми артисту нужно справиться. Испытание в хорошем смысле. Третья роль – это, наверное, «Надходить Гроза». Опять потому что там было много самостоятельной работы.  И ещё одна роль, которая неожиданно стала для меня кризисной. Это Менахем из «Поминальной молитвы». Я долго пытался преодолеть избитый архетип подобного героя. Не хотелось следовать шаблону, старался найти что-то новое. Слава Богу, к премьере нащупал. Этот персонаж тоже не выписан и пришлось собирать его из кусочков, как паззл. - Одна из последних работ в дуэте с Валерием Ивановичем Сарбеем в спектакле «100 оттенков правды и любви». Как далась для вас работа над этим сложным материалом? - Постановка проходила практически в абсолютной гармонии. Валерий Иванович также один из любимейших моих артистов нашего театра. Именно он подпитал во мне любовь к стихам. Когда-то давно в ДК «Азовсталь» он читал Бродского, и я впервые его увидел как явление. Меня очень зацепила его манера и подача. Я очень люблю стихи, обожаю. И в этом спектакле была очень благодатная почва. Анатолий Николаевич очень удачно распределил нам роли. Василий Стус, я был очень поражен его творчеством. Его направление оказалось мне очень близким. Стихи как монологи. Конфликт почти в каждой строчке, чуть ли ни во всех стихотворениях - вопрос быть или не быть. Благодаря этой работе я открыл для себя украинскую поэзию. И случилась первая влюбленность в украинского поэта. - А что, по-вашему, театр должен давать зрителю? - Воздействие спектаклей на умы - это обязательно должно быть. Не важно, о чем мы говорим. Главное, чтобы это заставило зрителя пережить изменение состояния в себе. Чтобы к нему пришли чувства, о которых, он и не подозревал. Чтобы он стал чуть-чуть не собой. Открыл такого себя, о котором он и не подозревал, вышел из собственного шаблона. - Есть какая-то роль, которую вы мечтаете сыграть? - Мне всегда хотелось сыграть немецкого офицера, периода второй мировой войны, в котором поселились очень сильные сомнения в том, что он делает. - Что-то вроде Оскара Шиндлера из фильма «Список Шиндлера»? - Да, да. Это очень известный архетип. Мне нравится этот образ. И всегда хотелось поработать в такой атмосфере и характере.  А ещё очень хотелось бы сыграть в пьесе «В ожидании Годо». - Оказалось что у ваших коллег, с которыми мы общались ранее, не хватает времени на какие-то хобби. Как обстоит с этим дело у вас? - Хобби у меня есть. Я записываю аудиопрочтение стихов и прозы. Это произведения моих любимых поэтов. Я бы хотел, чтобы они прозвучали в формате аудиоспектакля. Планирую заняться видеографией и соединять это все во что-то вроде клипов. Это в планах. На данный момент я купил микрофон и сооружаю дома что-то вроде студии. - А как вы представляете себе визуализацию для стихотворения, например Стуса. Это что-то абстрактное или конкретное, ситуация, постановка? - В моем сознании это проносится как что-то конкретное. Не совсем абстракция, а какая-то динамика, которая выражается в герое, смене кадра. Хочется достичь некой кинематографичности. Беседовал Иван Станиславский Театр Mon, 04 Feb 2019 17:35:55 +0200
«Жить без творчества я никак не могу. Вообще». Интервью с актрисой мариупольского театра Дарьей Недавней https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27291/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27291/
]]>
Все интересующиеся театральной сценой мариупольцы заметили, что за последние несколько лет наш театр сильно изменился. Изменилось очень многое, начиная от названия  и заканчивая философией существования. Это современные пьесы и проблематика, украинский язык и обращение к национальному литературному и драматургическому наследию. Изменились и лица нашего театра. За этот короткий период на авансцену вышло много новых молодых людей, о которых нам почти ничего не известно. Как вы убедитесь в дальнейшем, их всех объединяет целеустремленность, профессионализм, почти фанатичная преданность и, конечно же, искренняя любовь к своему делу. В первом интервью мы побеседовали с актрисой Верой Швецовой. Во второй раз познакомились с Вадимом Ермишиным. Сегодня вас ждёт удивительная история жизни и творчества Дарьи Недавней. Этот рассказ как нельзя лучше демонстрирует, что каждый человек сам хозяин своей судьбы. Если приложить достаточно сил, то можно изменить свою жизнь, казалось бы, самым невероятным образом. - Здравствуйте, Дарья. У вас довольно нетипичная история. Вы попали в театр уже взрослым человеком – в возрасте около 30 лет. - Да, я пришла в театр, как говорят, почти «с улицы» - без образования. Тогда был такой период - много людей уезжало из Мариуполя из-за начала боевых действий на Донбассе. Моя знакомая, сотрудник театра, посоветовала прийти на прослушивание. Вместе со мной, кажется, около 18 человек проходили конкурс, но прошло всего четверо. - А что было до этого? Ведь, наверное, нельзя сказать, что это было случайностью. Какой-то интерес к искусству, видимо, был и ранее? - Да, конечно. Здесь история, наверное, стандартная. Я родилась и провела всё своё детство в Мариуполе. С семи лет занималась в кружке ДК Металлургов. Кстати, он до сих пор существует, и мой преподаватель Валентина Киреева, тоже ещё трудится. Там я занималась до девятого класса. Но однажды я пела на концерте в ДК Карла Маркса, и ко мне подошел преподаватель по вокалу. Он настоял, чтобы я стала ходить к нему. Сначала я пыталась совмещать и театр, и вокал, но потом всё же решила остановиться на вокале. В этом кружке я занималась до 3 курса института, параллельно пела в кафе несколько лет. А на последнем курсе я забеременела. И хотя окончить университет и получить специальность учителя истории я смогла, но вокал пришлось оставить. В творческом отношении у меня наступил очень большой перерыв - маленький ребенок, семейные обстоятельства. Это был самый худший период в моей жизни. - Прям вот так? Худший?  - Жить без творчества я никак не могу. Вообще. Но обстоятельства складывались для этого совсем неблагоприятно. Денег в семье было мало и мне пришлось учиться шить, чтобы одеть себя и ребенка. Однажды я сидела на лавочке с коляской и читала газету. Вижу объявление: требуется швея без опыта работы. Это было очень кстати. Я приехала по адресу - это оказалась частная фирма по пошиву штор и гардин. Мне дали испытательное задание. В общем, в тот же день меня приняли, и там я проработала следующие лет семь или восемь. - Семь лет очень большой срок. Но потом - бабах - вы понимаете, что жить не можете без искусства? - Сначала, когда растет ребенок, ни о чем другом ты не думаешь. Просто некогда. Но потом, когда я начала работать, меня одолевали жуткие депрессии. Я понимала, что что-то необходимо менять. И менять именно в творческую сторону. Все произошло немного спонтанно. Опять, как-то сидим с дочкой на лавочке, к нам подходят ростовые  куклы – дают какие-то флаеры. Смотрю, реклама соляных пещер, а у ребенка был бронхит в тот период. В общем, повела я ребенка на процедуры, а сама записалась в кружок школы-студии, на которую мы набрели по дороге. Вот так. В студии в основном ставили мюзиклы, и я поняла, что это как раз то, что мне нужно. Одновременно и песни и театр. Это оказалось судьбоносное решение. Там я встретила своего второго мужа, сейчас он работает звукорежиссером в нашем театре. Вот как раз из этой студии я и пришла в мариупольский театр. А студия потом развалилась. - Вы проходите в труппу по конкурсу, а за плечами только детские кружки, семь лет работы швеёй, школа-студия и ребенок. - Как-то так. Поначалу было очень страшно. Я понимала, что пришла работать с людьми, у которых образование, огромный опыт и талант.  А я со своими кружками тут ни в какую. Иногда у меня спрашивают: с кого ты берёшь пример. Я считаю, что пример нужно брать с каждого. От каждого можно вынести что-то хорошее, полезное. - Тем не менее, вы пришли из аматорского кружка, а сейчас играете главные роли.  И вашу работу в спектакле «Жах» даже отметили на театральном фестивале в Киеве. В чем секрет? - Наверное, это трудоспособность. У меня вся семья трудоголиков. С детства в меня вкладывали, что нужно работать, нужно учиться, и работе нужно отдавать много сил. Даже если я занималась банальным рисованием в школе, я понимала, что все должно быть доведено до совершенства. Был один такой случай, я рисовала тень, и настолько тщательно за это взялась, что проделала дырку в рисунке. Картинку повесили на выставке, и она заняла первое место. Наверное, тогда я поняла, что у меня будет так во всем. Каждую свою работу я буду чеканить до мелочей. Я к любой работе так отношусь. Ещё я думаю, что должно всё же оставаться какое-то критическое отношение к себе. Нельзя говорить – «Вот сегодня я была на высоте и это лучшее что я сделала в этом театре». - А как надо говорить себе? - Я думаю, всегда должна быть какая-то доля сомнения, чтоб было над чем работать в будущем. Сегодня может показаться, что то, что я сделала - достаточно хорошо. Но завтра стоит задуматься – а может, я могу сделать и лучше? Иначе можно застопориться и не развиваться дальше. - По-вашему самоуспокоение это творческая смерть? - Да, пожалуй, это так. Если ты научился делать что-то хорошо, то это не значит что расти больше некуда.   - Сложились ли у вас какие-то предпочтения в плане актерских амплуа. - Нет, я очень люблю, когда работа разная.  У меня бывает такое состояние  – «Боже как мне уже надоело играть  вот этот образ». В детском кружке мне всегда давали роли хороших девочек, а я всегда хотела сыграть Бабу Ягу. Я была маленькая, худенькая и с тонким голоском. Играла падчериц, снегурочек и красных шапочек. Когда я пришла сюда это где-то даже повторялось. Я думаю себе - ну я ведь уже взрослая, почему опять девочки? А когда мне дали в «Энеиде» роль Юноны, я очень обрадовалась – наконец-то сыграю злючку. Настоящий артист должен играть в разных амплуа, и мне кажется, это помогает ему раскрыться даже в тех ролях, к которым он привык. Находятся новые грани. Для меня, чем больше разнообразия, тем лучше. - Получается, исполнение несвойственных собственному характеру ролей способствует раскрытию новых черт в себе? Ты играешь роль и понимаешь, что открыл что-то? Так что ли? - Знаете, скорее, получается наоборот. Мне для роли помогают собственные черты. Я их выкапываю специально для конкретной роли. Роль помогает в плане интеллектуального развития, когда готовишься к роли, то изучаешь историю, примеры и все такое. Это всегда дает новую информацию. -  А, например, пьеса «Жах». Её драматургическая история невелика. Работа с чистого листа получается? Как вы работали над ней? - Это двоякое ощущение, когда и страшно и приятно. Мы с Верой Шевцовой много собирались вдвоём и репетировали, прорабатывали пьесу дополнительно. Сам материал для нашего театра необычен - это современный абсурд. И нужно было понять, как в нём работать. У Анатолия Николаевича Левченко сначала была другая интерпретация моего образа. Но в процессе работы режиссер подошел ко мне и сказал – «Ты очень осознанно все играла, поэтому я понял, что наша героиня должна быть именно такой как изображаешь ты». И вот благодаря этому общению получился очень неплохой результат. Это была очень большая и знаковая для меня работа. Нравится мне этот спектакль и все. Я даже объяснить это толком не могу. Ощущения очень приятные. Люблю работать в этом спектакле с Верой Шевцовой. Отдыхаю я на нем. Но в то же самое время после него я сильно устаю. - Но актерство это ведь не только работа над собой, но и работа для зрителя? Что вы должны давать аудитории, когда выходите на сцену? - Мне кажется, каждый зритель выбирает сам, что он хочет получить от спектакля. Что я хочу дать? В какой-то степени интеллектуальный толчок. А ещё хочу помочь человеку забыть о житейских проблемах и неурядицах. Поэтому я стараюсь работать хорошо, так чтобы человек проникся той историей, которую мы рассказываем. В последнее время в нашем театре, к сожалению, сложился определенный репертуар. Люди много ходят на комедии не очень хорошего качества. Лифчики, трусы – в таком духе. Мне кажется, это сказал Питер Брук – «Зритель получает тот спектакль, которого он заслуживает». Это не плохо - расслабиться и просто поржать. Я тоже прихожу домой, включаю что-то по телевизору, чтобы просто посмеяться. Это необходимо. Но нужно ходить и на те спектакли, которые развивают человека как личность. Необходимо  также интеллектуальное развитие. Если человек  выходит после спектакля и говорит – «Та я не понял вообще, о чем тут!». Значит, приходи домой открывай интернет и читай. Но, к сожалению, такие спектакли у нас обречены. Вот лично мое мнение. - По-вашему такого материала в театре не хватает? - Да, лично я так считаю. Я люблю, когда смотришь спектакль и понимаешь суть только в самом конце, сложив всё воедино. Не люблю простые истории. А чаще всего приходишь и сразу знаешь, что будет дальше и чем все закончится. Не интересно. - Вы осуществили свою мечту, и полностью включились в творческую жизнь. Но хватает ли теперь времени на семью? - Не хватает. Но, наверное, все привыкли. Муж понял, что в этом вся я и по-другому не может быть. Сейчас я параллельно учусь в магистратуре харьковской государственной академии культуры. Подходит время защищать магистерскую. Поэтому времени на семью у меня практически нет. Но в январе это закончится, и я надеюсь, что вернусь к семье. - Мы уже поняли, что вы безнадежный трудоголик. Но может, остается время на какое-то хобби? - Нет, какого-то хобби у меня нет. Но есть неосуществленная мечта. Уже лет двадцать я хочу научиться играть на фортепиано. Я даже проучилась два курса в музыкальном училище, но из-за того, что поступила в магистратуру, пришлось бросить. После получения диплома хочу возобновить это дело. Очень хочу. А ещё хочу позаниматься хореографией. - Вашей дочке уже 13 лет. Вы хотите, чтобы она тоже стала актрисой? - Ну конечно! Это та профессия, в которой я могу ей помочь, что-то дать. И я уверена, у нее достаточно таланта, чтобы освоить эту профессию. Я её к этому подвигаю. После школы планируем поступать в театральный ВУЗ. Скорей всего это будет западная Украина, если она согласится. Мне кажется там уровень образования немножко другой. Беседовал Иван Станиславский. Театр Sat, 26 Jan 2019 17:02:47 +0200
«Два спектакля на украинском языке за 25 лет работы театра – это как-то маловато». Интервью с актером мариупольского театра Вадимом Ермишиным https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27163/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27163/
]]>
Все интересующиеся театральной сценой мариупольцы заметили, что за последние несколько лет наш театр сильно изменился. Изменилось очень многое, начиная от названия  и заканчивая философией существования. Это современные пьесы и проблематика, украинский язык и обращение к национальному литературному и драматургическому наследию. Изменились и лица нашего театра. За этот короткий период на авансцену вышло много новых молодых людей, о которых нам почти ничего не известно. Как вы убедитесь в дальнейшем, их всех объединяет целеустремленность, профессионализм, почти фанатичная преданность и, конечно же, искренняя любовь к своему делу. В первом интервью мы побеседовали с актрисой Верой Швецовой. А во второй раз хотим познакомить вас с актером Вадимом Ермишиным. Он известен зрителям как Эней, Тарас Шевченко, Коулмен Коннор или Петро, а нам удалось пообщаться с тем, кто остается за кулисами, когда на сцену выходит герой. - Здравствуйте Вадим. Традиционный первый вопрос, расскажите, где вы родились и как появился первый интерес к творчеству? - Родился я в Мариуполе. Здесь же рос и учился в школе. Тогда я ещё не связывал своё будущее со сценой. Первым более-менее серьёзным сценическим опытом была для меня работа в старших классах над детской новогодней программой. Это был стандартный сюжет: украли Снегурочку, её надо выручать и дальше в таком же духе. Несколько человек, и я в том числе, играли эту сказку три раза подряд. Три раза одно и то же. Вот тогда я немножко представил себе – как оно быть настоящим артистом. Сейчас это уже привычно, а тогда впечатление врезалось в память. Но профессионального понимания тогда не было. Нас попросили поучаствовать - мы согласились. Праздник все же. Весело. Первый интерес к актерству как к таковому, у меня возник, наверное, в университетские годы. Я стал участником студенческого театра эстрадных миниатюр - СТЭМ так называемый. Вот тогда уже интерес появился непосредственно к сценической деятельности. - Вы учились в техническом университете на технической специальности, занимались спортом. Почему так получилось, что вы пришли в СТЭМ? Наверное, уже было сознательное стремление к этому? - В какой-то момент это было для меня ещё просто альтернативным времяпровождением. Но постоянное общение с участниками студенческого театра стало каким-то открытием. Там были люди и старше, и опытнее меня. Я понял, что это немножко другие люди, они по-другому мыслят, смотрят на мир, рассуждают. Работа в СТЭМе стала чем-то вроде фундамента для меня. - Опираясь на этот фундамент, вы поняли, что хотите связать свою жизнь с профессиональной актёрской деятельностью? - Это был долгий путь. В студенчестве у меня появлялись мысли – «А что дальше?». Ясно, что это всего лишь театр при университете. Но я, будучи на то время студентом технического вуза и участником СТЭМ, пришел работать в театр профессиональный. Здесь в Мариуполе. Но не артистом. Так сложились обстоятельства. Но, тем не менее, в этот период я увидел суть профессии, потому что мог наблюдать за всем изнутри. Иногда ведь люди излишне идеализируют всё, а потом, когда сталкиваются с реалиями, то говорят – «нет, это вообще не моё». Так происходит, потому что они представляют себе совершенно другое.  Таких примеров я наблюдал достаточно. - В вашем случае получилось что наоборот? Новый опыт помог убедиться, что вы идете в правильном направлении? - Да. Интерес к театральному делу у меня не ослаб. Но на то время, в силу возраста или какой-то неопределенности, я ещё не представлял, во что это выльется, если я буду в этом направлении двигаться.  Параллельно я участвовал в СТЭМе, ездил с ним на фестивали и заканчивал университет. Но постепенно я стал подходить к мысли, что пора определяться – ты или занимаешься этим, или нет. Точно могу сказать, что расположенность к актерскому искусству у меня никогда не исчезала, и случилось то, что случилось. - А случилось, так что вы вошли в состав профессиональной труппы нашего театра в качестве актера. - Да именно так.  - Можете рассказать о первых своих ролях на профессиональной сцене? - Да, конечно. До того как войти в штат, я ещё работал приглашенным актером. Это когда человека привлекают разово для каких-то отдельных постановок. Для меня это был спектакль «Слепые» Мориса Метерлинка. А когда я пришел в штат, дебютом для меня стала сказка «Емелино счастье». Потом ещё была студия при театре. Так получилось, что после одного из зачетов меня пригласили работать в спектакль «Слепые». Это была необычная постановка. Зрители находились на сцене, и артисты работали вокруг от центра. Одна из первых главных ролей в моей карьере – это телохранитель Батьки Иван Лепетченко в спектакле "Красное и черное, или Мариупольский клад Нестора Махно". Это было в дубле, но, тем не менее – первая моя главная роль была вот такая. - В последнее время из самых заметных исполняемых вами ролей можно сложить некий архетип. Сюда войдут работы в «Сиротливом западе», «Энеиде» и «Слава Героям». Это взрывные темпераментные персонажи – боевые парни. Отражает ли это амплуа ваш внутренний мир, или может быть, вам пришлось бы больше по душе что-то другое? - Это всегда такой вопрос, на который, сложно ответить. Сложилось, как сложилось. Что я могу сказать, возможно, так меня видят режиссеры. Но ведь есть у меня роли и в комедиях, и в сказках. Тот же интеллигент Фёдор в «Поминальной молитве». Правда, когда пришлось стать на место Сильвио Ломбарди (герой спектакля «Труффальдино из Бергамо»), со временем я действительно вжился в образ. Хотя с этим героем у меня много несоответствий, и возраст и характер. Но я выпрыгивал из штанов в буквальном смысле, в одной из сцен они чуть не расстегнулись, но мы справились и с этой ситуацией. Что день грядущий нам готовит неизвестно, поэтому нельзя зацикливаться на амплуа. Но если загонят меня только лишь в боевики – буду протестовать. Скажу – «Верните мне Ломбарди. Дайте саблю, а об остальном я позабочусь». А вообще до того, как вы сказали, я об этом как-то не задумывался. Что я воплощаю архетип боевого парня, вообще слышу впервые. - Есть какие-то роли, к которым у вас особенное отношение? - Не совсем понимаю такой вопрос. Для артиста, который ответственно относится к своей работе, каждая роль значительная и особенная. Это, конечно, громко сказано, но в какой-то степени так оно и есть. Были у меня разные роли, и многие мне нравятся. Интересная работа - это Коулмен Коннор в «Сиротливом Западе», это «Энеида» по классическому произведению Котляревского. Кстати, для меня было очень приятно, что я играю в спектакле «Якби зустрілися ми знов» Тараса Шевченко. Это было интересно, познавательно, и в то же время для меня это была огромная ответственность. Понятно, что мы не говорим о портретном сходстве. Но сам факт, что я играю на сцене Кобзаря, для меня много значит. Интересно было работать в спектакле «Слава Героям». Всем известно, что с этим спектаклем были «негаразды», какое-то непонимание. Но мне очень приятно, что удалось отстоять эту вещь,  доказать, что украинский язык имеет на сцене равные права с русским. Для меня вообще было странно – почему возникла такая ситуация? Приятно было это отстаивать, и потом приятно было, когда после показов подходили зрители поддерживали и благодарили нас.  Это были очень разные люди, даже один раз мы общались с военными капелланами. Когда люди говорят спасибо, когда ты чувствуешь с ними какую-то общность - это мотивирует. -  «Слава Героям» оказалась довольно конфликтной постановкой, как для зрителей, так и для самого театра. В Мариуполе по-другому, наверное, и быть не могло. И думаю, все это предвидели заранее. Тем не менее, ваше внутреннее ощущение подсказывало, что эта пьеса обязательно должна была появиться на сцене? - Тут даже дело не в самой теме.  У нас как-то относились к этому из ряда вон, что спектакль на украинском языке. Даже если мы не говорим конкретно об этом спектакле, а вообще, о любом. Ведь в нашем театре, это был чуть ли не второй спектакль на государственном языке за 25 лет независимости. Извините, но это как-то маловато. А что касается темы «Слава Героям», то я считаю, что для людей, которые способны трезво мыслить, здесь не было ничего ни нового, ни, тем более, конфликтного. А для остальных… Они всё равно будут ностальгировать по старым временам, вспоминать, как было хорошо и так далее. Но об этом нужно говорить, обязательно. Как говорил постановщик, пожилые люди, у которых молодость в этом прошла, они имеют право и уйти со своими взглядами. Но мы-то уже должны смотреть на вещи под разными углами. Всё это должно было прозвучать, не может искусство не реагировать на современные проблемы. -  Как вы понимаете, сверхзадачу театра и актерства в общем? - Очень глобальный вопрос. Должен присутствовать некоторый элемент воспитания. Воспитания личности, я имею в виду, привития индивидуальной культуры, каких-то общечеловеческих качеств. Я склоняюсь, что это должно быть. Но не навязчиво - человек должен понять сам для себя. Это сложная задача, конечно. Но посмотрите на то, что нас окружает и глобально, и в мелочах. И вы поймёте, что это нужно делать. Спектакль может быть хороший, весёлый, смешной, но между тем, в нем должны быть заложены какие-то вещи, которые человека заставляли бы задумываться. Не просто развлечение. - То есть в любом спектакле должен быть такой момент? - Нет, не обязательно в любом. Мы же говорим о СВЕРХзадаче. Но по-хорошему какой-то определенный уровень должен поддерживаться. Если применить термин «сверхзадача» ко всей театральной деятельности, то это поддержание уровня культуры. Вот вроде бы, кажется, что все понимают, как правильно поступать, но не все так делают. - Есть ли в вашей жизни что-то, кроме работы? - Как правило, времени мало остаётся. Есть дела семейные, ещё хожу в тренажерный зал. Много времени провожу на работе, особенно когда сезон в разгаре. Утром репетиция, вечером спектакль - такой режим. А ещё нужно дома помочь уроки делать. Иногда с семьёй ходим в кино. Люблю книжку почитать, не без этого. Но времени на это остается мало. Кроме того, сейчас учусь в магистратуре харьковской академии, изучаю театральное искусство. Это дополнительная нагрузка и дополнительная строчка в моём графике. Так что свободное время в дефиците. Беседовал Иван Станиславский Театр Fri, 18 Jan 2019 16:24:16 +0200
«Всю себя отдаю театру, и я счастлива». Интервью с актрисой мариупольского театра Верой Шевцовой https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27050/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/27050/
]]>
Все интересующиеся театральной сценой мариупольцы заметили, что за последние несколько лет наш театр сильно изменился. Изменилось очень многое, начиная от названия  и заканчивая философией существования. Это современные пьесы и проблематика, украинский язык и обращение к национальному литературному и драматургическому наследию. Изменились и лица нашего театра. За этот короткий период на авансцену вышло много новых молодых людей, о которых нам почти ничего не известно. Как вы убедитесь в дальнейшем, их всех объединяет целеустремленность, профессионализм, почти фанатичная преданность и, конечно же, искренняя любовь к своему делу. Мы предлагаем вам поближе познакомиться с молодыми талантами нашего театра в серии эксклюзивных интервью. Первым нашим собеседником стала актриса Вера Шевцова. Вера Шевцова в профессиональном театре не так давно - в сентябре 2016 года её приняли в мариупольский драматический сразу после окончания университета. Но за два с небольшим года работы она уже исполнила главные роли в спектаклях «Слава героям», «В ожидании его», «Энеида», «Соичине крило», «Труффальдино из Бергамо», «Якби зустрілися ми знов», «Жах». Способности актрисы были замечены не только режиссерами нашего театра. За работу в постановке «Жах» Вера Шевцова и Дарья Недавняя были удостоены приза в номинации «Лучший актерский ансамбль» на театральном фестивале «AndriyivskyFest» в Киеве. Но это было совсем недавно, давайте вспомним с чего всё начиналось. - Расскажите откуда вы родом, и с чего начинался ваш творческий путь? - Я родилась и провела всё детство в Кривом Роге. С юных лет стала заниматься музыкой, особенно мне нравилось пение. Училась в музыкальной школе по классу фортепиано, бандуры и вокала. А ещё участвовала в  фольклорном театральном коллективе «Крок». С ним мы часто ездили на западную Украину, возили туда свои хоровые произведения и знакомились с местными традициями. Это было очень интересно. - А откуда вообще возник первичный интерес ко всему этому: музыке, театру, пению, артистизму? - Этот интерес мне прививала мама. Она была неравнодушна ко всему, что касается искусства, будь то книги или живопись, очень любила ходить в оперу. Как я узнала позже, мама даже мечтала стать актрисой. Поэтому, когда в четвертом классе у нас  в городе появился театральный кружок, мы вдвоём, будучи в одинаковом восторге, пошли туда записываться. Естественно она ходила на все мои спектакли и всячески поддерживала меня. - Почему все же дальнейший свой путь вы связали именно с театром? Ведь среди ваших интересов были и музыка и вокал.  - Верно, я очень долго занималась вокалом.  Но когда пришло время решать, куда идти дальше, то я поняла, что если выберу театр, то смогу и петь. А если я буду петь, то заниматься театром не смогу. Вот я и оказалась на актёрском факультете харьковского университета имени Котляревского. - Сразу после окончания университета в 2016 году вы попали в Мариупольский театр. Почему именно сюда? - Всё это вышло очень интересно. У моего руководителя курса – заслуженного деятеля искусств Леонида Викторовича Садовского - была премьера в театре им. Пушкина, там я встретила Евдокию Тихонову (сейчас работает режиссером мариупольского театра), мы с ней разговорились. Как раз перед этим я ездила в киевский ТЮЗ, но не прошла. Я не знала, куда себя приткнуть, поэтому встреча с Евдокией оказалась очень кстати. Оказалось, что она сама из Мариуполя и едет туда работать.  Я подумала, а почему бы и мне не попробовать. Приехала в Мариуполь и меня приняли. Вот так всё и случилось. - Запомнился ли вам тот момент, когда пришло осознание, что актерство это настоящая профессия и большой труд? - Это осознание пришло ещё в период учёбы. Жизнь и учеба в университете сломили все мои детские представления об этом и показали, что такое театр. Где-то на курсе третьем у меня был такой перелом, когда я осознала всю сложность этой профессии. - Не возникли сомнения – «Может я выбрала не ту дорогу»? - Сомнения были. Но не по поводу самого выбора. Были сомнения, когда что-то не удавалось. Я работаю, работаю, работаю, а всё равно не получается. В тот момент я поняла, что главное - не сдаваться. Если долго упорно работать, то можно преодолеть любые сложности. Это такое довольно простое правило, но оно работает. - Роль в пьесе Павла Арье «Слава Героям» один из значительных шагов в вашей актерской карьере. Спектакль нашумел и стал практически скандальным. Как вы ощущаете себя в этой роли? - В прошлом году, когда из театра ушла Лидия Ершова, режиссер Анатолий Левченко ввел меня в этот спектакль. Здесь сам драматург можно сказать скандальный. У нас в театре он воспринимается достаточно по-разному, точно так же он по-разному воспринимается и в других местах. Я знаю о том, что в Харькове шел спектакль «На початку і наприкінці часів» по пьесе Арье «Баба Пріся». Состоялось буквально шесть показов, хотя постановка достаточно интересна. Я заметила такую вещь, абсолютно разные режиссеры ставили этого автора в разных театрах, с разными актерами и векторами направленности самих театров. Но я запомнила, что сходив на «Бабу Прісю» в театр имени Шевченко, у меня возникли похожие чувства, которые я испытала, от просмотра спектакля в исполнении нашей труппы. Вот насколько чувствуется перо драматурга. В разных работах авторский почерк и заданная атмосфера сохраняются. Работать над ролью Гани в «Слава Героям» мне было одновременно и очень тяжело, и очень интересно. Пьеса Арье не про политику, а про взаимоотношения - такая больная любовь, поврежденная жертвенная любовь. Дед очень любит свою внучку, и она его очень любит. Но если он её любит, то зачем рассказал историю о том, как она родилась? Ведь такая история могла бы даже пошатнуть её психику. И так же она.  Дочь везде с дедом. Она постоянно с ним сидит, а ей 30 лет, ей хочется семью и детей, но она все равно подламывается под него. Слушает и слепо идёт. Слепо любить - эти отношения приводят к деструкции. Любовь любви рознь. Я считаю, что это одна из самых сложных моих работ. Я всегда стараюсь найти что-то новое, и роль постоянно раскрывается. Мне кажется, этот образ ещё не исчерпан. - Ещё одна важная для вас работа в спектакле «Жах». Ваш дуэт с Дарьей Недавней отметили на театральном фестивале «AndriyivskyFest» в Киеве. Это почти сольная роль, на сцене всего двое и спрятаться не за кого. Как шла работа над этим спектаклем?   - Это была очень интересная постановка. Роль в «Жахе» стала для меня особенной, к ней я отношусь с особым теплом и она очень дорога для меня. Я очень благодарна режиссеру Анатолию Левченко, что он доверил мне эту работу. Помню, когда первый раз прочла пьесу, она мне сразу понравилась, но я даже не представляла, как это будет. А режиссёр нам говорит - «Сейчас мы прочитаем, будем разбираться. А потом встанем и буквально за две репетиции его сделаем». Я сидела и не понимала – как так? В пьесе очень много тонких моментов. Как построить логику своего персонажа? От чего он идёт? Причины, мотивы? Для меня это была черная дыра какая-то. Жанр абсурда - это нестандартные рамки и есть вероятность перебрать. Мы с Дашей (Дарья Недавняя, вторая участница актерского ансамбля) сели в гримерке после первого прочтения, а она говорит – «Что мы будем делать? Я боюсь, у нас слишком мало времени». Но постепенно все начало открываться. Было очень много вариантов разрешения той или иной сцены, мы много думали об этом, решали. Работать над этим спектаклем было очень интересно. И я считаю, что в принципе у нас получилось. - Кроме тех ролей, о которых мы уже говорили, в вашем репертуарном листе есть образ Дидоны в «Енеиде» и ПТУшницы в спектакле «В ожидании его». Это роли совсем другого характера. Если бы вам дали на выбор амплуа типа «Жах» или типа «В Ожидании его», а времени работать над двумя ролями одновременно у вас не было. Что бы выбрали? - На самом деле, нас не ставят перед выбором. К этому мы привыкли, и я даже рада, что всё так устроено. Это очень дисциплинирует. По поводу ролей, здесь нет однозначности. Я не могу сказать, что мне это нравится, а вот это -  нет. С какой-то точки зрения даже глупо ограничивать себя. Каждая новая роль - это каждый раз новый мир и новая атмосфера, возможность находить новые ключи и кнопки в себе. Я всегда нахожу интерес. Поэтому какого-то архетипа не сложилось. Может быть, со временем у меня появятся какие-то предпочтения. Но сейчас я достаточно молода и жадна к работе, чтобы отказываться от чего-то. - Есть ли какая-то роль, которую вы мечтаете исполнить когда-нибудь в будущем? - Есть такая роль. Но мне до неё ещё нужно дорасти. Это Настасья Филипповна в «Идиоте» Достоевского. Если вдруг когда-нибудь мне выпадет случай поработать над этим материалом, это было бы супер. - Такой материал, из того что вы играли на мариупольской сцене, наверное, ближе всего к Вике в «Жахе». Видимо вы все-таки ответили на вопрос о предпочтении в амплуа, который я задавал ранее. - Возможно. Пьеса «Жах» была для меня очень интересна. Тот вопрос, который мы поднимаем в финале… Возможно я ещё не до конца правильно это делаю. Я стараюсь пробовать по-разному, потому что мне хочется сформулировать этот вопрос как можно точнее, понятнее для зрителя. Так важно чтобы каждый из нас его себе задавал. Если мы откладываем его в долгий ящик, это как раз приводит нас к подобным ситуациям, когда мы говорим: «Вот у нас всё плохо и все решают за нас». Все решают за нас, потому что мы не хотим разбираться в себе, я считаю вот так. И если после наших спектаклей люди задают  себе этот вопрос, то я просто счастлива. Я понимаю, что работаю не зря. - Выходит, что, по-вашему, сверхзадача театра именно направлять зрителя, давать ориентиры, мотивировать и побуждать.      - Да именно так. Если хоть один человек после спектакля выйдет из зала с мыслью: «А так ли я делаю? Правильно ли я живу? Может у меня такие же проблемы, как и у героев спектакля?» - то это уже будет маленький шажочек к большой сверхзадаче всего театра. Для этого мы и работаем. Конечно, нужен и какой-то развлекательный контент. Но сверхзадачей все же я считаю заставить зрителя задуматься над какими-то глобальными жизненными вещами. - Как мы уже поняли, что у вас очень много работы. Вы постоянно что-то ищете, совершенствуетесь. Вы всю себя отдаете своему любимому делу, или есть в вашей жизни что-то и кроме театра? - В данное время, наверное, всю себя я отдаю театру. И знаете - я счастлива. Почему бы нет. Не знаю, как будет потом, но сейчас театр на первом месте. Конечно, я стараюсь всячески развиваться, потому что, чтобы развиваться в театре, нужно развиваться во всем. Я много читаю о театре, и пишу некоторые статьи и работы об этом. А так, для развлечения, веду страничку в Instagram, где описываю распорядок дня разных великих людей. Я подумала, что между рекламами и всякими глупыми историями с котами, кто-то увидит этот пост и сможет что-то почерпнуть для себя полезное.  Это тоже какая-то сверхзадача для меня. - Вы целенаправленно собираете информацию о распорядке дня великих людей? - Да. Есть интересная книга Мейсона Карри «Распорядок дня великих людей». Я её прочла, и она меня вдохновила. Книга большая, не каждый дочитает, что Гюстав Флобер просыпался в десять утра, звонил в звонок и с этого момента все домашние ходили на цыпочках и разговаривали шепотом, чтобы не отвлекать писателя от работы. Если всё это читать целиком, то достаточно сухо. А если выкладывать маленькими кусочками, то это будет интересно. Позже я решила дополнять то, что нашёл Мэйсон Карри, вести какие-то свои поиски и факты. - Учитывая такое хобби, вероятно у вас есть свой определенный распорядок дня? У меня, кстати говоря, его нет. Все зависит от расписания. Можно сказать, что мой распорядок дня совпадает с графиком репетиций и спектаклей. Как раз на этом моменте мы вспомнили о том, что очередная репетиция уже началась и пора заканчивать.  Осталось пожелать Вере Шевцовой чтобы любимое дело неизменно продолжало делать её счастливой. беседовал Иван Станиславский Театр Fri, 11 Jan 2019 13:32:18 +0200
В Мариуполе показали необычного «Щелкунчика» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26799/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26799/
]]>
25 декабря в зале ДК «Молодёжный» состоялся показ балета «Щелкунчик», в котором приняли участие дети с ограниченными возможностями. Это праздничное представление устроено на средства муниципального гранта по проекту «Общественный бюджет». Вдохновителем и организатором спектакля стала Елена Беркова - руководитель школы классической хореографии ДК «Молодежный». Главные роли в балете  исполнили восьмилетняя София Ревякина и двенадцатилетний Владимир Левковский. По задумке балет «Щелкунчик» должен действовать на протяжении трех лет, предоставляя возможность всем особенным детям принять участие в постановке.  Театр Wed, 26 Dec 2018 14:54:36 +0200
Мариупольский театр показывает зрителям сто оттенков правды и любви https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26592/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26592/
]]>
11 декабря драматический театр в Мариуполе представил зрителям литературно-музыкальную композицию под названием «Сто оттенков правды и любви» (идея и постановка Анатолия Левченко). Биографически-хрестоматийная линия в репертуаре нашего театра пополнилась ещё одним произведением. На сцене уже идут «Письма римскому другу» - основанные на стихах Бродского, а также «Незгідний та нескорений» - о жизни Олекси Тихого. Основой для «Ста оттенков» послужило творческое наследие Владимира Сосюры и Василия Стуса.  Таким образом, «Сто оттенков» - это одновременно творческий литературный вечер, образовательное, театральное, музыкальное и даже патриотически-воспитательное мероприятие. Роль Сосюры исполнил уже признанный первый декламатор – Валерий Сарбей. Артур Войцеховский - в образе Василия Стуса.  Выбор именно этих поэтов не случаен – они неразрывно связаны с нашим краем исторически и духовно. Владимир Сосюра родился на станции Дебальцево, а Василий Стус жил и работал в Донецкой области. Оба, будучи гражданами СССР, были патриотами Украины, за что подвергались репрессиям. Они даже отмечали именины в один день – 6 января.  Вот как много общего между этими двумя людьми. Это ещё не все совпадения. 2018 год для обоих юбилейный – исполнилось 120 лет со дня рождения Сосюры. А Стус вполне мог бы даже отметить своё восьмидесятилетие. Если бы не трагическая смерть в советском исправительном лагере. Стихотворения в «Ста оттенках» подобраны и выстроены таким образом, что получается что-то вроде перекрестного общения. Поэты обращаются друг к другу, к зрителям, а иногда, как будто к самим себе. Снятые с плоских страниц строчки, в трехмерном пространстве звучат совсем по-другому. Сценические чтения, можно сказать, извлекают произведения из вечности, оживляют и дарят ощущение присутствия. Герои выходят на сцену через двери, во время действа приближаются к зрителю и, в конце концов, переступают порог в обратном направлении. Логичность этого движения нарушает повторный выход для проведения ликбеза – актеры зачитывают с листа биографические ведомости о своих героях. Если без этой информации не обойтись то, пожалуй, тогда лучше с неё начинать. Представление может заинтересовать своей музыкальной частью. Песенные переложения стихотворений здорово подчеркивают эмоциональность и лиризм, присущие классикам украинской поэзии. Особенно выделяются песни в сольном исполнении Ярослава Прикопа. Встреча, которой в жизни не было, но которая определенно должна была случиться – происходит. Театр удачно организовал встречу не только Стуса и Сосюры, но и мариупольского зрителя с украинской поэзией ХХ века. И тут есть ещё один аспект, спектакль перекликается не только с прошлым. Стус появляется на сцене, в сопровождении облака морозного пара, словно он шагнул в зал прямо из уральской стужи. Кажется, что за дверями остался ИТЛ в посёлке Кучино, где поэт писал свои последние строчки. А ведь за той же дверью вполне можно представить и другой посёлок – например, Лабытнанги. Иван Станиславский Театр Thu, 13 Dec 2018 13:21:38 +0200
«Дикий Театр» показал в Мариуполе спектакль «Женщина, сядь!» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26475/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26475/ 2 декабря в зале ДК «Молодежный» киевский «Дикий Театр» дал гастрольный показ представления «Жінко, сядь!»
]]>
2 декабря в зале ДК «Молодежный» киевский «Дикий Театр» дал гастрольный показ представления «Жінко, сядь!».Показ проходил в рамках международной акции «16 дней активизма против гендерно обусловленного насилия».  Театр имеет нестандартнуютворческую концепцию. Его лозунг - «Дикий театр: театр, щопровокує». А главная задача - сталкивать зрителя с реальностью, а не создавать вымышленные миры, в которых можно от неё спрятаться. Постановщики предостерегают всех о том, что их творчество  способно травмировать, возмутить и вообще противопоказано людям с чувствительной психикой.Несмотря на все опасности, в столице попасть на премьеры этого театра непросто, и,наверное, это свидетельствует не о повышенном количестве мазохистов в Киеве.  На сцене разыгрывается распространённая бытовая история. Главные персонажи – Юля и Саша – женились, завели детей, но вскоре слова, произнесённые в свадебной клятве,полностью забываются. Спектакль посвящен теме домашнего насилия в семье. Молодая девушка оказывается под физическим, психологическим, сексуальным и даже экономическим давлением. Скандалы, побои оскорбления, запугивание – не такой она представляла семейную жизнь. Фраза «пока смерть не разлучит вас» в подобных обстоятельствах становится похожей на пожизненный приговор.  Постановка стремится вовлечь зрителя в собственное пространство, ориентировать на взгляд изнутри, а не снаружи, показать жизнь на сцене, а не сцену из жизни.Стоит отметить высокий профессионализм артистов, благодаря которому«Дикому Театру» такие задачи  вполне по плечу. В действии многоеподчинено принципу максимальной реалистичности. Например, сценическая речь. Герои общаются матом. Но ведь это и есть язык отчаяния, язык ярости и обвинений. Наверное, тот случай, когда без нецензурщины не обойтись, – зритель просто не поверит. Спектакль не склонен переходить от частного к общему, метафоричность часто буквальная. Свекровьпускает невестку на фарш, лишь бы удовлетворить своё чадо. Символизм доходит до первобытно-животного уровня, но так ли далеко мы сами от этой отметки? Погуглите новости с тегом «свекровь» - оказывается это не самая страшная история. Сцен с отягчающими обстоятельствами хватает. Но действительно «дикими» я бы назвал эпизода два, не больше. Зал ДК «Молодёжный» после того как зажегся свет, оказался почти полным, а на протяжении представления зрителей ушло совсем немного. Получается порог «дикости» в Мариуполе будет повыше столичного? Создатели поставили в конце сюжетную точку,закольцевав действие. А вот смысловой финал пьесы остался открытым. Театр в жесткой форме ставит нас перед вопросом, ответить на который мы должны за пределами зрительного зала. ► Читайте также: Спектакль «Транзит» - проездом через Мариуполь   Театр Wed, 05 Dec 2018 20:13:30 +0200
Дикий театр продемонстрировал мариупольцам представление «Женщина, сядь» https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26435/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26435/
]]>
2 декабря в Мариуполе прошло провокационное представление – «Женщина, сядь», по случаю международной акции – «16 дней против гендерного-обусловленного насилия».  Этот спектакль проходит в рамках программы Фонда ООН в области народонаселения "Комплексный подход к решению проблемы насилия в отношении женщин и девушек в Украине".  Показ представления является частью информационной компании «Разорви круг». Мариупольцы имели возможность посетить представление бесплатно, но по предварительной обязательной регистрации. В ходе представления участники должны были заполнить анкету с вопросами, касающимися домашнего насилия. Спектакль «Женщина, сядь» показал, как сильно меняется жизнь после свадьбы. Счастливая и молодая семья – Юля и Саня, были безумно рады воссоединению их сердец. Однако со временем Сашу перестало устраивать, как готовит его жена, как гладит ему рубашки, и даже ее любовь стала раздражать его все сильнее. Стоит напомнить, что акция «16 дней против гендерного-обусловленного насилия» началась 25 ноября, и будет длиться до 10 декабря – Дня прав человека. Эти даты символически подчеркивают взаимосвязь между насилием в семье против женщин и нарушением прав человека. Театр Mon, 03 Dec 2018 14:35:10 +0200
Спектакль «Транзит» - проездом через Мариуполь https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26307/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26307/
]]>
23 ноября в Мариуполе побывал украино-немецкий театральный проект «Tранзит». Показ проходил в рамках однодневного мини-фестиваля «Гогольfest Доба», который включал в себя также музыкальную и кинопрограмму. Всё как весной, только в меньших масштабах.  Вспоминая представления из программы «StartUp», от «Tранзит» тоже невольно ожидалось что-то нетривиальное. Спектакль начинался во внутреннем дворе здания ДК «Молодежный». На улице зрителей встречает девушка с табличкой в руках, будто в холле аэропорта ждёт прилетающих пассажиров. Затем группа некоторое время блуждает по коридорам и лестницам ДК и прибывает на место, где всё произойдёт. В качестве сцены «TRANZYT» использовал вестибюль ДК, как он есть - никаких специальных декораций или технических средств. Несколько рядов пластмассовых кресел, два прожектора и динамики, вот и всё.  Мы наполним творческим смыслом любое физическое пространство – как бы говорят артисты. Зал ожидания - так бы я назвал открывающую сцену постановки. Безмолвные актеры блуждают, выполняя какие-то почти бессознательные движения. Кто-то наматывает веревку на палец, а кто-то провод на голову. Представляешь себя на вокзале где-нибудь в Фундуклеевке, на часах двенадцать, поезд в четыре – тоска. Сложно предугадать, что последует за подобной невербальной экспозицией. Хотя какой-то определенной формы «Транзит» не имеет, но его можно условно разделить на две основные части, состоящие из отдельных сцен. В первой половине зрителя ждёт перформативно-визийное действо. Здесь хореография и пластика, цирковые номера, фантазии и импровизации - движения, погруженные в свет и в звук. Зал поражает своим интеллектом Кобыла Айда, дуэт «Абракадабра» исполняет сакральный танец, а силач Хосе Иванович играет бицепсами.  Посетители наблюдают необычное и удивительное шоу,  где-то абсурдно смешное, а где-то беззлобно забавное. Вспомнился воображариум Доктора Парнаса и его труппа.   Вторая часть состоит из череды апартов, во время которых актеры обращаются к залу со своими историями. В этом отделении уже нет смеха, звучат рассуждения о времени, ценностях, смыслах, границах, и предназначениях. Театр отчетливо задаёт нам вопросы, но не требует ответов вслух. Испытанный способ трансформировать публичный монолог в диалог со зрителем. В «Транзите» не стоит искать архитектурность формы или строгое подчинение замыслу. Это вольное произведение, можно сказать «road movie». Зрители совершают путешествие, посещая несколько транзитных станций на отрезке бесконечного пути. Хочется надеяться, что «Транзит» приехал не только показать пейзажи уже пройденных дорог, но и чтобы добавить в свой маршрут новую станцию под названием Мариуполь. Иван Станиславский Театр Mon, 26 Nov 2018 13:31:35 +0200
В Мариуполе пройдет фестиваль современного искусства https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26249/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/26249/ Как сообщает пресс-служба мариупольского городского совета, 23-24 ноября во Дворце культуры «Молодежный» пройдет сокращенная версия фестиваля современного искусства - ГогольFest Доба.
]]>
Как сообщает пресс-служба мариупольского городского совета, 23-24 ноября во Дворце культуры «Молодежный» пройдет сокращенная версия фестиваля современного искусства - ГогольFest Доба. Мариупольцев и гостей города ждет выступление кукольного социального кабаре «ЦеШо», спектакль «Транзит», ночной концерт, лектории, показ документального кино и премьера проекта «Отель Континенталь». В рамках фестиваля мариупольцы смогут посмотреть на кукольное социальное кабаре «ЦеШо» с новой программой. Также состоится показ спектакля «Транзит» резиденции украинского, немецкого и британской команды. Гостей фестиваля ждут лекторий от ведущих лидеров мнений и показ документального кино о Гогольfest. Отдельной частью ГогольFest Доба станет презентация Концерт-холла с рейвом до утра. Открывать сцену будут такие проекты, как Мало, SunScream, Тедди Медведи, Язык, Цианистый Кафель, Каждый День. В фестивале примет участие мариупольский коллектив ДК «Молодежный» - Народный театр «Театромания». Они представят выставку-перфоманс «Выбор за тобой». Она появилась благодаря выигранному гранту в программе «Громадський бюджет». Это статуи-трансформеры, с помощью которых поднимают острые социальные проблемы современной жизни. Например, вред курения и наркомании, загрязнения окружающей среды, насилие, гендерное неравенство и тому подобное. Изюминкой ГогольFest Доба станет презентация архитектурного проекта ревитализации «Отель Континенталь». Архитекторы расскажут, как можно изменить дворец культуры. Участники обсудят вероятность реализации данного проекта в городе. Участие в мероприятиях фестиваля за регистрацией - bit.ly/gogol-doba. Количество мест ограничено. Организаторы отмечают, что зрителей ждет много новых впечатлений. ► Читайте также: В Мариуполе пройдет международный фестиваль «JazzBez»   Театр Fri, 23 Nov 2018 16:01:12 +0200
Мир нашему дому. Мариупольский драматический театр открывает новый сезон https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/25644/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/25644/
]]>
13 октября драматический театр в Мариуполе открыл новый 141-й сезон спектаклем «Мир вашему дому»  (режиссер-постановщик Анатолий Левченко). Пьеса Григория Горина по мотивам рассказов Шолом-Алейхема  «Поминальная молитва» в Украине достаточно хорошо известна и имеет славную драматургическую историю. На сцене Национального драматического театра им. Ивана Франко спектакль «Тевье-Тевель» шел с 1989 по 2012 годы и был закрыт только в связи со смертью Богдана Ступки – исполнителя главной роли. А совсем недавно, в 2017 году, на экраны вышла кинолента Владимира Лерта, снятая по той же «Поминальной молитве». Место действия - маленькое украинское село Анатовка, в котором в начале ХХ века обрели свой край обетованный несколько еврейских семей. Пьеса воспроизводит извечный конфликт поколений. Отец пяти дочерей молочник Тевье старается устроить детям благополучное будущее. Мысли и искания главы семейства понятны каждому:  как выдать дочерей замуж за достойных мужчин, как управиться с большой семьёй и обеспечить её материально. «Чтобы над детьми всегда была крепкая крыша!» - провозглашает свою цель Тевье. Однако каждая из дочерей предпочитает выбирать собственную судьбу самостоятельно. И Тевье обречен наблюдать, как неумолимо разрушаются все его мечты. Уютный мирок Анатовки становится местом личной и мировой трагедии, затронутый ураганными ветрами новой исторической эпохи. Неотвратимость движения колеса судьбы, которое может и доставить к мечте, и раздавить всмятку, наводит героев на мысли о закономерности этого цикла. «Пока душа в теле, езжай дальше, вперед, Тевье!» Пьеса решена в трагикомическом ключе. Причём первое действие скорее комическое, а второе - трагическое. Колоритное еврейское чувство юмора придаёт особую окраску спектаклю. Герои остроумно, и вместе с тем психологически тонко,  насмехаются над зигзагами жизненного пути, которые вычерчивает судьба - «Вся наша жизнь - один сплошной несчастный случай». Вторая часть постановки полна горькой печали, но финал, всё же, стремится оставить у зрителя позитивное послевкусие от всего действа. «Мир вашему дому» пример спектакля, ставящего наивысшую планку исполнительского мастерства. Минимум декораций, костюмов и других визуальных средств заставляют зрителя вникать во внутреннее содержание форм, а также дотошно вглядываться в сценические образы. Не зря главные роли в спектакле доверены самым засуженным актёрам мариупольской труппы. Роль молочника Тевье, которую исполняли такие мэтры как Евгений Леонов и Богдан Ступка, на мариупольской сцене сыграл Анатолий Шевченко. Актёру удалось создать удивительно подвижный и светлый образ главы семейства, пребывающего в непрерывной тревоге за семью и готового держать любые удары. А мощнейший по эмоциональной силе сольный номер в исполнении Светланы Отченашенко (Голда, жена Тевье) остаётся одним из самых сильных впечатлений всего спектакля. «Мир вашему дому» дает зрителю богатую почву для размышлений. Сверхзадача спектакля пробудить в людях всеобщее и взаимное чувство доброты, сочувствия, сопереживания, независимое от социальных статусов, должностей, религиозных или расовых различий. «Мир вашему дому» - это не история одного маленького села с его маленькими жителями и маленькими мечтами. Это история нашего огромного мира, где огромные амбиции вытесняют любовь и сострадание, где искусственные ценности подменяют общечеловеческие. Иван Станиславский Театр Mon, 15 Oct 2018 13:29:00 +0300
Начало нового театрального сезона: премьеры и кадровые изменения https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/25588/ https://mariupol.tv/news/theatre/mariupol/25588/
]]>
В преддверии открытия нового театрального сезона руководство театра провело специальную пресс-конференция. Итоги предыдущего театрального сезона подвел генеральный директор театра Владимир Кожевников. Помимо этого театр принимал участие в областных и Всеукраинских фестивалях. Это фестиваль современного молодежного искусства «Відчуй Схід», праздник современного театрального искусства в городе Кропивницкий, театральный фестиваль «Світогляд». По итогам их работы мариупольские актеры получили высокую оценку организаторов и зрителей. Рассказал В. Кожевников и о кадровых изменениях в театре. Вакантной стала должность генерального режиссера. Ее до сегодняшнего дня занимал Анатолий Левченко. Напомним, что уже в эту субботу, 13 октября, состоится открытие нового театрального сезона. Актеры порадуют зрителя не только полюбившимися спектаклями, но и необычными премьерами. Театр Thu, 11 Oct 2018 19:35:11 +0300